Es scheint ein ungeschriebenes Gesetz zu sein: Hat man irgendein Monster erschaffen, das aus welchen Gründen auch immer einiges an Popularität genießt, so muss das Thema nicht nur immer weiter ausgeschlachtet und Fortsetzung an Fortsetzung gereiht werden, bis es langsam auch den überzeugtesten Fans zu den Ohren rauskommt. Doch damit noch nicht genug, immer wieder wird zusätzlich auch versucht, dem Monster ein Obermonster voranzustellen, das noch gefährlicher ist als das Miststück, das den Weg zum Ruhm ebnete. Und damit Bühne frei für den dritten Band der aktuellen „Predator“-Comicreihe. Bei dessen Untertitel „Die letzte Jagd“ bin ich mir noch nicht abschließend sicher, ob ich das nicht als frommen Wunsch festhalten würde, dass es tatsächlich die letzte Ausgabe ist.

Autor Ed Brisson, unter dessen Federführung auch die vorangegangenen zwei Bände realisiert wurden, hatte zunächst eigentlich ein cooles Konzept für seinen Ausflug in die Welt der außerirdischen Jäger, von denen wir heute wissen, dass sie eigentlich Yautja heißen.

Wir erinnern uns: Irgendwann in der Zukunft wurde die Familie des Mädchens Theta auf ziemlich grausame Weise ausgemerzt. Eben von einem jener Yautja, deren Lebensinhalt es bekanntlich ist, auf die Jagd zu gehen und im Falle eines Sieges sich die Köpfe Ihrer Beute bzw. Opfer in die heimische Vitrine zu stellen. Die Frage, welchen Reiz es wohl hatte, ausgerechnet eine Familie mit Kleinkind jagen zu wollen, ist nach wie vor berechtigt. Denn eigentlich legen sich die Predators nur mit Gegnern an, die für sie auch eine Gefahr bedeuten könnten. Was auch insofern schlüssig ist, denn die Facettenaugen nebst Kopp einer gewöhnlichen Stubenfliege wäre als Trophäe wohl für so einen außerirdischen Jagdkasper wenig attraktiv.

Na wie auch immer. Theta überlebte, und nicht nur das: fortan entwickelte sie sich im Laufe der Jahre selbst zu einer Art Predator, die den jeweiligen Yautjas, denen sie begegnete, sehr nachhaltig zeigte, wo der Frosch die Locken hat. Erbeute Predator-Rüstung von einem ihrer Kontrahenten inklusive. Auf ihrer Reise durch das All landete Theta auch auf einem Planeten, der als Jagdreservat der Yautjas diente. Inklusive Menschen aus verschiedenen Jahrzehnten der Weltgeschichte, die immer dann, wenn es den außerirdischen Jägern danach gelüstete, aus ihrem teilweise jahrzehntelangen Kälteschlaf erweckt wurden, um in den Hasch-mich-Spielchen ihrer Peiniger als Beute zu dienen.

An dem Punkt in Thetas Leben, an dem wir hier in die Story einsteigen, sind einige Jahre vergangen, seit die nun nicht mehr ganz so junge Frau dem letzten Predator über den Weg gelaufen ist. Die Jäger mochten es offenbar nicht so gerne, selbst zu Gejagten zu werden und haben ihre Taktik angepasst, um ihrer Jägerin zu entwischen. Nun wäre dieser dritte und (mindestens zunächst einmal finale) Band der Erzählung rund um Theta wohl kein Comic im „Predator“-Universum geworden, wenn Theta nicht doch dem ein oder anderen Vertreter der Gattung Yautja über den Weg laufen würde. Natürlich gibt es dabei wieder reichlich Splatter-Einlagen. Sie trifft unter anderem auch auf einen Typen namens Schaefer, der sagt, er habe seinen Bruder, einen Soldaten, irgendwann in den späten 80er-Jahren im Dschungel von Mittelamerika verloren. Und um auf den einleitenden Absatz zurückzukommen: Die Truppe um Theta lernt zudem, dass es die Predators auch in sehr viel größeren und sehr viel gefährlicheren Ausführungen gibt …

Grundsätzlich finde ich den Umstand, dass das „Predator“-Universum nun quasi auch eine eigene Ellen Ripley hat, die den Biestern Beine macht, ganz cool. Allerdings denke ich mir auch: Wenn man inzwischen dazu übergehen muss, immer noch schwerere Geschütze aufzufahren in Form von größeren, gefährlicheren und böseren Yautjas als jenen, mit denen es die Heldin der Geschichte bisher zu tun bekam, dann ist es vielleicht ganz okay, die Erzählung hiermit zu einem Ende kommen zu lassen. Der Auftakt damals war cool, gefällt mir heute noch. Der zweite Band im Reservat der Predators war schon nicht mehr so prall und so fällt unterm Strich auch das Fazit zum erst einmal letzten Band aus. Zwar wäre es Ed Brisson immer noch möglich, an die Ereignisse dieses Comics anzuknüpfen, zumal Theta auch immer noch alive und kickin’ ist. Nötig wäre es aber nicht. Es sei denn natürlich, es würden wieder kleinere Brötchen gebacken. Was möglicherweise aber schwierig wird, denn wenn man es ganz nüchtern betrachtet, ist Brissons Heldin inzwischen selbst zu so etwas wie einem Super-Predator geworden. Alles in allem hat das was von Sackgasse.

Versteht mich bitte nicht falsch, der dritte Band ist kein Totalausfall. Es ist wohl das (vermeintliche) Finale, das passieren musste. Durchaus spannend, wie gehabt ziemlich blutig, hält sich aber noch weniger damit auf, den Charakteren Tiefe zu verleihen. Dass Dutchens Bruder plötzlich auftaucht und bisschen Bühnenzeit bekommt, betrachte ich als Fanservice. War nett, aber eben auch nicht mehr. Die Zeichnungen haben mich leider auch nicht so richtig aus dem Sessel gehauen. Freilich, ich habe schon weniger ansprechende Bilder zu Gesicht bekommen – aber eben auch schon deutlich bessere. Mir war das für meinen Geschmack eine Spur zu kritzelig, zu wenig detailliert, zu sehr wie schnell aufs Papier gerotzt wirkend. Was sicher nicht der Fall war, aber der Gedanke ist eben da.

Was bleibt, ist ein durchwachsener Gesamteindruck der bisherigen Reihe und ein Gefühl von „so richtig schade, wenn es jetzt vorbei sein sollte, wäre es nicht“. Es beschleicht mich aber das Gefühl, dass Ed Brisson seine Theta hiermit immer noch nicht vom Haken gelassen hat.

It seems to be an unwritten rule: if you create a monster that, for whatever reason, garners a bit of popularity, then not only must you milk it for all it's worth, churning out sequel after sequel until even the most loyal fans are sick to death of it — no, on top of that, there's always the attempt to introduce an "über-monster." One even more dangerous than the beast that paved the way to fame in the first place.

Which brings us to volume three of the current Predator comic series. With the subtitle The Last Hunt, I can’t help but wonder if that’s more of a hopeful prayer — that this truly is the final installment.

Writer Ed Brisson — who also penned the previous two volumes — started out with a pretty compelling concept for his foray into the world of these alien hunters, whom we now know are officially called the Yautja.

Let’s recap: in some distant future, a girl named Theta watched her family get brutally slaughtered by one of these interstellar trophy-seekers — creatures whose sole purpose is to hunt and, upon victory, mount the skulls of their prey in their display cases back home. Why a Predator would hunt a family with a small child is still a valid question. After all, their supposed code of honor means they only go after worthy adversaries. And frankly, the multi-faceted eyes and crunchy little head of a housefly wouldn’t be much of a prize, even for the worst kind of space douchebag.

Anyway. Theta survived. And not only that — over the years, she became a kind of Predator herself, tracking down Yautja across the galaxy and giving them a taste of their own medicine. She even snagged some of their gear along the way. At one point, her journey took her to a planet the Yautja used as a game reserve, where they kept humans from different eras in cryo-storage — only to wake them up when it was time for some violent hide-and-seek.

By the time we jump back into her story in this third (and for now final) volume, several years have passed since she last crossed paths with a Predator. The aliens, seemingly not too thrilled about being the hunted, have changed up their tactics in an effort to evade her. Of course, this wouldn’t be a Predator comic if Theta didn’t eventually bump into some of their kind again. And yes — there’s plenty of splatter to go around.

She even meets a man named Schaefer, who claims to have lost his brother — a soldier — in the Central American jungle sometime in the late ’80s. And circling back to my earlier point: Theta and her ragtag crew learn that Predators now come in even bigger, badder, and more brutal varieties...

I’ll be honest — I actually think it’s kind of cool that the Predator universe now has its own Ripley-style heroine in the form of Theta. But I also can’t help but feel like once you reach the point of constantly upping the ante with ever more monstrous Yautja to top the last, maybe it’s time to call it a day. The opening arc was strong and still holds up. The second volume, set in the Predator preserve, was already a bit weaker. And this third entry? While not a total misfire, it definitely continues that downward slope.

Sure, Brisson could continue the story — Theta is still alive and very much kicking — but does he need to? Not really. Unless he dials things back a bit. Then again, that might be tough, because if we’re being honest, Theta is basically a Super Predator now. And that doesn’t leave a lot of places to go. It all feels a bit like a narrative dead-end.

To be clear, volume three isn’t bad. It’s very much the kind of finale you’d expect: high on action, gory as hell, but not especially concerned with character depth. The sudden reappearance of Dutch’s brother? Straight-up fan service. Cute, but that’s about it.

And then there’s the artwork. Sadly, it didn’t wow me. I’ve seen worse, no doubt — but I’ve also seen much, much better. For my taste, it was too sketchy, too messy, and gave off the vibe of being hastily thrown onto the page. I’m sure that wasn’t the case, but that was the impression.

What’s left is a mixed bag of a series, and a closing chapter that, if it really is the end, wouldn’t be all that heartbreaking. Still, I can’t shake the feeling that Ed Brisson isn’t quite ready to let go of Theta just yet.

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Die Frage, was wohl wäre, wenn unsere geliebten Comic-Superstars in Strumpfhosen in die Jahre kämen, wenn sie quasi rüstig rentnernd durch ihr jeweiliges Habitat wuselten, um dem Verbrechen Einhalt zu gebieten, wurde schon so manches Mal nachgegangen. Am eindrucksvollsten und nachhaltigsten natürlich in Frank Millers ewigem Meisterwerk „Batman: Die Rückkehr des Dunklen Ritters“ aus dem Jahr 1986. Wohl kaum ein anderer Comic hatte den gleichen Impact. Das hindert Comicschaffende aber freilich nicht daran, sich an diesem zeitlosen Klassiker zu orientieren und, wenn auch in eigener Herangehensweise, etwas Ähnliches erschaffen zu wollen. Und damit kommen wir direkt zur ersten Ausgabe von „Spider-Man: Reign“, von Panini Comics mit „Das Regime“ untertitelt. Schöpfer Kaare Andrews folgte mehr als offensichtlich den Fußstapfen, die Frank Miller seinerzeit hinterlassen hat. Die sicherlich berechtigte Frage ist doch: Könnten diese Fußabdrücke vielleicht eine Spur zu groß gewesen sein?

Das genaue Datum verrät uns „Reign“ nicht, allerdings befinden wir uns in einer Zukunft, gar nicht mal allzu weit entfernt von heute. Die Stadt New York ist seit gut 10 Jahren frei von jeglichen Angriffen irgendwelcher dahergelaufener Superschurken. Dafür verantwortlich sind Bürgermeister Waters und die paramilitärischen Ordnungshüter, die sich Reign nennen, und die auch mit teils tödlicher Gewalt vorgehen. Das gute alte New York hat sich in eine Art dystopischen Überwachungsstaat verwandelt und Waters steht vor der Krönung seines Werks: Die Aktivierung eines Netzwerks aus Lasergeschützen, einer Kuppel über der gesamten Stadt, die auf den Namen Webb getauft wurde.

In dieser Welt befinden wir uns, als wir auf Peter Parker treffen. Alt, gebrechlich und gebrochen. Nahezu jeder Mensch, den er kannte, vor allem aber liebte, ist inzwischen nicht mehr am Leben. Auch MJ ist längst tot, begleitet aber als Halluzination eines gebrochenen Verstandes nach wie vor sein Leben. Davon abgesehen gibt es aber nach wie vor Konstanten in seinem Tagesablauf, die sich bis zum heutigen Tage nicht geändert haben. Peter hält sich mit Aushilfsjobs über Wasser und ist mehr Pleite als alles andere. Eines Tages bekommt dieser, man kann es leider kaum anders bezeichnen, klapprige alte Mann Besuch von einem noch deutlich älteren, noch deutlich klapprigeren und vor allem wesentlich jähzornigeren Mann: J. Jonah Jameson. Sein Anliegen ist im Prinzip: Webb darf nicht starten, Peter soll sich den Staub aus dem Scheitel klopfen und sich wieder in seinen Anzug quälen, um das Allerschlimmste zu verhindern. Was dieser auch tut. Also zumindest, wieder den blauroten Anzug überzuziehen.

Unterwegs begegnet er alten, nur allzu vertrauten Bekannten, die gleichermaßen die letzten 30 Jahre vor sich hin gealtert sind: die Sinister Six. Oh, und dann ist da ja noch dieses Ding mit der Vorliebe für menschliche Gehirne, das die unerwiderte Liebe zu Peter nie so ganz überwunden hat …

Um noch mal auf die Einleitung dieses Textes zurückzukommen: Die Inspiration für diese zweifelsohne bemerkenswerte und besondere Story mit unserem beliebten Wandkrabbler lieferte Frank Millers Batman-Epos. Den deutlichsten Beweis dafür liefert wohl die Figur namens Miller Janson, der durchaus einiges an Bühnenzeit zugestanden wurde. Und ähnlich wie bei Millers Werk ist es bemerkenswert zu lesen, wie die Zukunft eines strahlenden Helden aussehen könnte. In diesem Fall ist sie alles, nur nicht strahlend. Vielleicht, und diese Frage lässt auch dieser Comic unbeantwortet, sind Schicksale wie die von Peter einfach unvermeidlich.

Spider-Man bzw. Peter Parker wird hier als alter, zerbrechlicher und vor allem gebrochener Mann porträtiert, dessen ewiger Kampf gegen das Böse ihm am Ende nichts brachte, als fortwährende Verluste. Selbst den Tod seiner Liebsten Mary Jane verpasst er. Eben sitzt er noch bei ihr am Krankenbett, es ist offenkundig, dass sie dieses nicht mehr verlassen wird, und schon ertönen irgendwo Sirenen in der New Yorker Nacht. Logisch, dass Spidey, in seinem Bestreben, die Unschuldigen zu schützen, die Maske herauskramt und los schwingt. Als er wiederkommt, ist das Bett bereits leer und neu bezogen. MJ ist gegangen.

Denk- und erinnerungswürdige Momente hat Kaare Andrews in seiner Sage so einige geschaffen. Zudem ist alles durchgehend spannend, straff und schlüssig erzählt.  Dass viele Panels breit, dafür aber nur schmal in der Höhe sind, somit also wie Filmstreifen wirken, unterstützt den dystopischen, filmischen Eindruck sehr. Dass die Zeichnungen selbst keinen Blumtopf für überbordende Schönheit gewinnen – geschenkt. Das war bei Millers Ausflug in die Welt der Fledermaus damals auch so. Effektiv, das ist der Begriff, der mir hinsichtlich der Zeichnungen in den Sinn kommt. Nicht schön, aber auf den Punkt, um die Handlung voranzutreiben und der jeweiligen Szene die nötige Dramatik zu verleihen.

Kaare Andrews’ Story erschien ursprünglich schon 2007 und es sieht sehr danach aus, als sei die Story bisher von Panini nicht veröffentlicht worden. Warum jetzt und warum in diesem Format und nicht etwa in der „Marvel Must-Have“-Reihe, ist mir nicht bekannt. Ich bin mir aber ziemlich sicher, dass „Spider-Man: Reign“ eines Tages auch in besagter Reihe als Hardcover noch einmal neu aufgelegt wird. Denn unterm Strich ist es nicht weniger als das: Ein Must-Have für alle Fans des Wandkrabblers, die sich für ungewöhnliche und dramatische Geschichten begeistern können. Ich freue mich schon jetzt auf den zweiten Band! Und somit abschließend und in Bezug auf die Ausgangsfrage: Nein, die Fußstapfen waren nicht zu groß.

The question of what happens when our beloved spandex-clad superheroes grow old — when they shuffle through their respective habitats as sprightly retirees trying to fight crime with creaky knees and fading strength — is one comics have asked time and again. Most famously, and most impactfully, in Frank Miller’s eternal classic The Dark Knight Returns from 1986. Few comics have had the same kind of cultural footprint. That hasn’t stopped others from following in its shadows — sometimes with clear reverence, sometimes with bold reinterpretation.

Which brings us straight to Spider-Man: Reign, now released in Germany by Panini Comics under the subtitle Das Regime. Creator Kaare Andrews is — let’s not kid ourselves — walking very visibly in Frank Miller’s footsteps here. And so the obvious question becomes: might those shoes be a size too big?

The comic doesn’t give us a specific year, but it’s clearly set in a future not too far from our own. New York has been "supervillain-free" for a decade — thanks (or no thanks) to Mayor Waters and a paramilitary force known as the Reign, who don’t hesitate to enforce their brand of peace through lethal means. The city has transformed into a dystopian surveillance state, and Waters is ready to crown his reign of control with a literal dome of laser cannons called Webb — sealing the city for good.

It’s in this world that we find Peter Parker. Old. Frail. Broken. Everyone he ever knew, and especially everyone he loved, is gone. Even MJ — though she still appears in his fractured mind as a hallucination that won’t leave him. Peter’s life has boiled down to odd jobs and permanent poverty, the daily routine of a man just barely getting by.

That is, until someone knocks on his door. And who is it but the only man grumpier, older, and even more stubborn than he is — J. Jonah Jameson. His message is simple: Webb must be stopped. Peter has to shake the dust out of his bones, suit up, and do what only Spider-Man can. And so, slowly but surely, the red-and-blue spandex makes a comeback.

On the way, he bumps into some familiar faces — now also older, meaner, and definitely worse for wear: the Sinister Six. Oh, and let’s not forget a certain brain-loving someone who’s never quite gotten over their unrequited love for Peter...

Back to that introduction. Yes, Frank Miller’s Batman opus was the clear blueprint here — made most obvious by the character of “Miller Janson,” who gets quite a bit of page time. Just like Miller’s vision of a bleak superhero future, Reign asks: what does it look like when hope fades and legends fall silent? And perhaps, though the book leaves it open-ended, that fate was always inevitable for someone like Peter Parker.

Here, Spider-Man is portrayed as an old, fragile, and deeply broken man. A man whose eternal fight against evil has left him with little more than a trail of pain and loss. He even misses the death of Mary Jane. One moment he’s at her bedside, knowing she won’t make it through the night. The next — sirens wail, and the compulsion to save others pulls him once again into the city. By the time he returns, the bed is empty. She’s gone.

Kaare Andrews packs Reign with a number of moments that linger in the mind. The story is tightly written, gripping, and surprisingly emotional. The panel layout — often wide but short in height — creates a cinematic rhythm that underscores the bleak, dystopian feel. The artwork? It’s not going to win awards for beauty — but neither did Miller’s art in Dark Knight. “Effective” is the word that comes to mind. Not pretty, but perfectly tuned to the tone and tension of the story.

Spider-Man: Reign was originally published back in 2007, and it seems Panini never brought it to German audiences until now. Why now? And why in this format, and not as part of the Marvel Must-Have line? That’s unclear. But I’d bet good money it’ll show up in that line someday. Because make no mistake — this is absolutely a must-have for fans of the wall-crawler who appreciate bold, emotional, and dramatic storytelling.

I, for one, am already excited for volume two.

So, returning to our initial question: were Miller’s footsteps too big?

No. Not at all. Andrews fits them just fine.

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Es ist wieder der Moment gekommen, an dem wir uns an dieser Stelle mit Spawn beschäftigen wollen. „Spawn 136“ ist am Start und versammelt die US-Ausgaben 354 bis 357. Wie gehabt, im handlichen Softcover-Taschenbuch aus dem Hause Panini. Kurze Auffrischung: Die große Schlacht um den Thron der Hölle kam zu einem Ende und anstelle von Cogliostro, dem Clown/Violator, Spawn oder irgendeinem Mitbewerber aus dem Himmel hat sich Nyx der Sache angenommen. Mit dem Ergebnis, dass sowohl die Krieger der Hölle (inklusive der Hellspawns) als auch die Soldaten des Himmels zumindest auf der Erde ihrer Kräfte beraubt wurden. Sie sind allesamt nur noch normale Sterbliche – und somit exakt das. Sterblich. Und das mitunter ziemlich schnell. Jeder aus einer Waffe abgefeuerte Schuss könnte der finale Fangschuss sein. Auch für Al Simmons, der aber immerhin den Vorteil hat, in seinem früheren Leben Söldner gewesen zu sein. Inmitten dieses Gewusels wittern die Vampire unter der Herrschaft von Mr. Bludd Morgenluft.

In dem Moment, in dem wir hier in die Handlung einsteigen, ist Spawn mit einer jungen Frau namens Lyra unterwegs. Überraschenderweise ist Lyra nicht vom spontanen Schwund aller übernatürlichen Fähigkeiten betroffen. Tatsächlich kann sie nach wie vor austeilen wie einst im Mai. Wie kann das sein, fragt Ihr? Berechtigte Frage, um deren Beantwortung sich die aktuelle Ausgabe von „Spawn“ auch nicht lange drückt.

Lyra ist ein Hybridwesen. Will sagen: Die Mutter war eine Top-Soldatin der Hölle, während der Vater sich seine Brötchen (oder was auch immer dort oben so serviert wird) im Himmel verdiente. Irgendwann landeten die Beiden in der Kiste, Liebe machen diesdas, und am Ende ist dieser Liebelei ein Kind entsprungen: Lyra. Und weil das eine ziemlich fetzige Angelegenheit ist, in einer Welt voller Superwesen ohne Superkräfte noch mit ebendiesen ausgestattet zu sein, hat Jason Wynn ein brennendes Interesse daran, Lyra in seine Finger zu bekommen. Und es sieht ganz danach aus, als sei Lyra nicht die einzige Person, die hybrid unterwegs ist. Nur dass die nächste Person, von der wir erfahren, ihre Lohntüte offenbar von Jason Wynn kassiert …

Ich muss schon sagen, dieser Quasi-Reboot, der Al Simmons (und mit ihm alle anderen Spawns) kraft- aber nicht machtlos hat werden lassen, fetzt schon. Das ist genau die Sorte frischer Wind, den die inzwischen ja doch in die Jahre gekommene Serie von Todd McFarlane gebrauchen konnte. Ich gebe mich nicht der Illusion hin, dass sich „Spawn“ irgendwann wieder in einen apokalyptischen Konflikt zwischen Himmel und Hölle hochjazzen wird. Im Moment aber versprüht die Serie für mich den (zugegeben) unwiderstehlichen Charme der frühen Tage. Als „Spawn“ noch neu war und anders und ganz aufregend.

Auch die sensationellen Zeichnungen von Brett Booth, ganz im Stil und der Tradition des Serienschöpfers, tragen unfassbar viel zu diesem Eindruck bei. Gut gefallen hat mir an dieser Ausgabe überdies, dass man sich viel Zeit für die Hintergrundgeschichte von Lyra genommen hat. Al Simmons ist zwar auch irgendwie da, aber die Bühne gehört eindeutig der jungen Frau. Das wiederum erinnert mich ein wenig an „Spawn: The Undead“, erschienen um die Jahrtausendwende und geschrieben von Paul Jenkins. Eine Serie, in der Spawn auch eher eine Randfigur war.

Lange Rede, kurzer Sinn: „Spawn 136“ ist vergnügliche und kurzweilige Unterhaltung, von der sich guten Gewissens behaupten lässt: Die Richtung stimmt. Kann gerne so weitergehen.

It's that time again—time to dive back into the world of Spawn. Issue #136 is out now, collecting US issues #354 to #357. As usual, it comes in a handy softcover trade paperback edition from Panini. A quick refresher: the epic battle for the throne of Hell has come to an end. And instead of Cogliostro, the Clown/Violator, Spawn, or any heavenly contender taking the crown, it’s Nyx who has stepped up. The result? Both the warriors of Hell (including the Hellspawns) and the soldiers of Heaven have lost their powers—at least on Earth. They’re now nothing more than ordinary mortals. And as mortals tend to be: vulnerable. A single bullet can now mean a permanent end. That includes Al Simmons—though his former life as a mercenary still gives him a bit of an edge. Amidst this chaos, the vampires under the rule of Mr. Bludd begin to sense opportunity.

At the point where we pick up the story, Spawn is traveling with a young woman named Lyra. Surprisingly, Lyra seems unaffected by the sudden disappearance of supernatural powers. In fact, she can still throw down like it's 1999. How is that possible, you ask? A fair question—and one that this issue of Spawn doesn’t take long to answer.

Lyra is a hybrid. Her mother was a top-tier soldier of Hell; her father earned his celestial paycheck upstairs in Heaven. At some point, the two ended up in bed together—love, romance, you know the drill—and the result of that union is Lyra. And in a world full of superpowered beings now stripped of their powers, being one of the few who still has them is a pretty big deal. Naturally, Jason Wynn is very interested in getting his hands on her. And it looks like Lyra might not be the only hybrid out there. The next one we meet seems to already be on Wynn’s payroll …

I have to say, this quasi-reboot—where Al Simmons and the rest of the Spawns lose their powers but not their purpose—really works for me. It's exactly the kind of fresh air a long-running series like Spawn needs. I’m under no illusion that the series will one day explode back into a full-blown apocalyptic war between Heaven and Hell. But for now, it radiates the kind of (admittedly irresistible) charm the series had in its early days—when Spawn still felt new, different, and genuinely exciting.

The absolutely stunning artwork by Brett Booth, very much in the spirit and tradition of creator Todd McFarlane, goes a long way in reinforcing that feeling. I also really appreciated how much space was given to Lyra’s backstory in this volume. Sure, Al Simmons is still around, but the spotlight clearly belongs to this young woman. That, in turn, reminded me a bit of Spawn: The Undead, the short-lived series from around the turn of the millennium written by Paul Jenkins, where Spawn often took a backseat.

Long story short: Spawn 136 delivers entertaining, fast-paced fun—and it’s safe to say, the series is heading in the right direction. More of this, please.

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Das Phänomen Taylor Swift ist ein Kuchen, von dem nicht zuletzt in der Verlagsbranche so einige Teilnehmer ein paar Krümel abbekommen möchten. Geht man mal durch größere Buchhandlungen, so wird man in der entsprechenden Abteilung mit Literatur und sonstigem Tand rund um einen der größten Popstars, den die Welt je gesehen hat, förmlich erschlagen. Und selbst die kleinsten Buchläden haben oft das ein oder andere Buch, das sich mit Leben und Wirken der Sängerin befasst, in der Auslage. Es überrascht daher wohl nicht auch nur im Entferntesten, dass auch Panini, hier im Blog allermeist Thema der zahlreichen Comics wegen, mit der Kuchengabel anrückt und seit Ende März ein entsprechendes Büchlein im Programm hat. „Long Live: Der ultimative Leitfaden zum Fandom von Taylor Swift“ heißt es und ich, selbst immer noch einigermaßen frisch gebackener Swiftie, möchte nun der Frage auf den Grund gehen: braucht man das?

Geschrieben wurde das rund 190 Seiten umfassende Buch von Nicole Pomarico, den Angaben des Verlags nach US-amerikanische Entertainment-Redakteurin, Promi-Interviewerin und Popkultur-Fanatikerin. Und den eigenen Angaben der Autorin zufolge auch seit 2006 Fan von Taylor Swift – oder eben Swiftie, wie Fans und Anhänger der Sängerin genannt werden bzw. sich selbst bezeichnen.

Pomarico zeichnet in diesem Buch den Weg nach, den Taylor Swift gegangen ist. Von der Veröffentlichung des Debütalbums bis hin zur Eras Tour und dem letzten Album, „The Tortured Poets Department“. Um der Sache eine persönliche Note zu verleihen, ergänzt die Autorin das Buch mit Anekdoten aus ihrem eigenen Leben. Von der Hochzeit bis zur Geburt ihres Kindes und wie die Musik von Taylor Swift sie in jeder Phase ihres Lebens, in jeder Ära quasi, begleitet hat. Und schafft damit eine Verbindung zu anderen Swifties. Denn die meisten Menschen, die noch rätseln, was es mit dem Phänomen Taylor Swift auf sich hat, haben diese in Worten nur schwer bis gar nicht zu beschreibende Verbindung der Swifties untereinander noch nicht erkannt oder erlebt. Der Besuch eines Konzerts oder das Folgen auf Social Media trägt übrigens zum Verständnis bei.

Wer sich schon lange zu den Swifties zählt, wird in diesem Buch vermutlich nicht sonderlich viel Neues erfahren. Wer aber noch nicht so lange dabei ist oder tatsächlich ein ehrliches Interesse daran hat, verstehen zu wollen, erfährt hier beispielsweise von frühen Kommentaren der Sängerin auf MySpace, die Ihr inzwischen peinlich sein sollen, sie aber nur zusätzlich menschlich wirken lassen, Details über die Easter Eggs, die sie gerne in ihrer Musik und/oder auf Social Media verteilt, liest von dem Knatsch zwischen ihr und dem komplett durchgeknallten Kanye West (heute ja nur noch Ye und glühender Anhänger von Nazi-Devotionalien) und seiner Kardashian-Braut auch von dem toughen Auftreten gegenüber den großen Playern in der Musikindustrie. So zog sie 2014 ihren kompletten Musikkatalog von Spotify ab (Rückkehr erst 2017). Und auch mit Apple Music legte sie sich an. Die drei kostenlosen Probemonate, die der Computergigant damals anbot, sollten auch für die Musikschaffenden bedeuten, dass sie in der Zeit keine Entlohnung für die anfallenden Streams bekommen. Eine himmelschreiende Ungerechtigkeit, die auch Taylor Swift als solche empfunden hat. Long story short: Bei Apple hatte man ziemlich schnell ein Einsehen und änderte das Geschäftsgebaren entsprechend.

Das Buch ist randvoll mit solchen Erzählungen, die immer wieder Frage aufwerfen: Wie kann man denn bitte Taylor Swift nicht toll finden? Aufgelockert wird der Text durch Einwürfe wie: das passende Outfit für die jeweilige Era. Ich gebe zu, dass ich diesbezüglich nicht die Zielgruppe bin, verstehe aber natürlich, dass so etwas in so einem Buch wohl auch einfach dazugehört.

Nicht ganz so glücklich bin ich mit dem Lesefluss. Der Text liest sich manchmal so, als hätte man ihn nur doch ein Übersetzungstool wie DeepL gejagt. Entweder das, oder die für die deutsche Übersetzung zuständige Person hat nicht die gleiche Leidenschaft für das Thema aufbringen können wie die Autorin im Original. Ich möchte nicht behaupten, die Übersetzung sei schlecht. Aber als Mensch mit einem Gespür für feine Texte habe ich hier keinen richtigen Zugang gefunden. Vielleicht hat das Ausgangsmaterial nicht mehr hergegeben, vielleicht hätte aber auch mehr Hingabe beim Lektorat Wunder gewirkt. Es ist nicht auszuschließen, dass das aber auch nur mein ganz persönliches Empfinden ist.

Kommen wir mal zurück zur Ausgangsfrage. Als beinahe noch „Neu-Swiftie“ hatte ich durchaus einige Aha-Erlebnisse bei der Lektüre des Buches, vor allem in den Passagen, in denen es um die Menschlichkeit und Nahbarkeit dieses Megastars ging. Wer schon Ewigkeiten dabei ist, wird hier vermutlich keinen allzu großen Erkenntnisgewinn mehr haben. Und daher richte ich meine Empfehlung auch an einen klar definierten Personenkreis: Swifties, die eben noch nicht alle relevanten Informationen aufgesaugt haben. Und besonders auch an Menschen, die verstehen wollen, warum Taylor Swift für so viele Menschen so viel mehr ist als nur eine Musikerin mit unfassbarem Erfolg. Dass das Buch damit wohl nicht zwingend über ein Alleinstellungsmerkmal verfügt, steht freilich auf einem anderen Blatt.

The Taylor Swift phenomenon is a cake from which quite a few players in the publishing industry would like to get at least a few crumbs.
If you stroll through any major bookstore, you'll practically be overwhelmed in the relevant section by books and other paraphernalia about one of the biggest pop stars the world has ever seen. And even the smallest bookshops often have at least one or two books about the life and work of the singer on display. So it should come as no surprise that Panini—mostly a topic here on this blog for its many comic books—is also showing up with a dessert fork and has had a corresponding little book on offer since the end of March. Titled Long Live: The Ultimate Guide to Taylor Swift Fandom, it's now time for me, still a fairly fresh Swiftie myself, to dig into the question: do you actually need this?

The roughly 190-page book was written by Nicole Pomarico, who is, according to the publisher, a U.S. entertainment editor, celebrity interviewer, and pop culture fanatic. And according to the author herself, she's been a fan of Taylor Swift—or a Swiftie, as fans of the singer are called—since 2006.

In this book, Pomarico retraces the journey Taylor Swift has taken—from the release of her debut album to the Eras Tour and her latest album, The Tortured Poets Department. To give the whole thing a personal touch, the author includes anecdotes from her own life—from her wedding to the birth of her child, and how Taylor Swift's music has accompanied her through every phase of her life, in every “era,” so to speak. In doing so, she creates a connection to other Swifties. Because most people who still puzzle over the Taylor Swift phenomenon haven’t yet experienced—or even recognized—this near-indescribable connection Swifties have with each other. Attending a concert or following her on social media can help a lot to understand it.

Anyone who has considered themselves a Swiftie for a long time probably won't find much new in this book. But for those who are newer to the fandom or genuinely curious to understand, they’ll learn, for instance, about early MySpace comments the singer made—which she now finds embarrassing but which make her all the more relatable. There are also details about the Easter eggs she loves to hide in her music and on social media, stories about the feud between her and the totally unhinged Kanye West (now just “Ye” and an avid collector of Nazi memorabilia) and his Kardashian bride, as well as her bold stances against the major players in the music industry.
In 2014, for example, she pulled her entire music catalog from Spotify (returning only in 2017). She also clashed with Apple Music over their initial plan to not pay artists during the three-month free trial they offered users. Taylor Swift rightly called this a blatant injustice. Long story short: Apple quickly saw reason and changed its policy.

The book is packed with such stories, constantly raising the question: how can anyone not find Taylor Swift amazing? The text is lightened up with little sidebars, such as outfit suggestions for each musical era. I’ll admit I’m not the target audience for that part, but I totally get that it belongs in a book like this.

What I’m not entirely happy with is the readability. The text sometimes reads like it’s been run through a translation tool like DeepL. Either that, or the person responsible for the German edition couldn’t muster the same passion for the topic as the original author. I’m not saying the translation is bad—but as someone with a feel for nuanced writing, I just couldn’t quite connect with the prose. Maybe the source material didn’t offer much more to work with, or maybe a more loving editorial process could have worked wonders. Then again, that might just be my personal impression.

Let’s return to the initial question. As a relatively new Swiftie, I definitely had some aha moments while reading—especially in the passages about Taylor Swift’s humanity and relatability as a megastar. Long-time fans, on the other hand, likely won’t find much new insight here. That’s why I’d recommend the book to a very specific group: Swifties who haven’t yet soaked up every last detail about her, and especially those who want to understand why Taylor Swift is so much more than just a massively successful musician to so many people.
Whether the book has a true unique selling point is another matter entirely.

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Es gibt Comics, die altern nicht so gut. Sei es, weil sie hinsichtlich der Produktion oder aufgrund ihrer Machart, ich denke da speziell an die Zeichnungen, irgendwann einfach keine gute Figur mehr abgeben. Oder sei es, weil der dem Inhalt zugrundeliegende Zeitgeist mittlerweile derart überholt ist, dass man nicht einmal mehr die Nostalgie-Keule schwingen kann. Dann wiederum gibt es Comics, die altern gut, etwa weil die genannten Punkte nicht zutreffen. Und es gibt sogar auch welche, die altern so gut, dass man kaum glauben kann, dass bereits über 30 Jahre seit der ersten Veröffentlichung vergangen sind! Zur letzten Kategorie gehören ganz eindeutig auch die Comics rund um die schrägste und gelbste Familie der Welt: die Simpsons. Panini bringt die Hefte von damals in neuer Auflage erneut auf den Markt. Einmal mehr als Hardcover-Buch. Der erste Band dieser „Simpsons Comics Deluxe“ soll nachfolgend das Thema sein.

Dass die Simpsons ein Phänomen sind, wie es das in der Popkultur kein zweites Mal gibt, ist eine Binsenweisheit, die eigentlich nicht erwähnt werden müsste. In Sachen Folgen ist wohl nur noch Doctor Who umfangreicher, allerdings ist diese Serie auch noch mal ein gutes Vierteljahrhundert älter als die langlebigste Zeichentrickserie der Welt. Nur wenige Jahre, nachdem Homer, Marge, Lisa, Bart und Maggie auf den Mattscheiben rundum den Planeten auftauchten, erschienen natürlich auch die ersten Comics. Zu einer Zeichentrickserie auch Comics zu machen, das ist die abwegigste Überlegung ganz sicher nicht.

In den Spitzenzeiten gingen allein in Deutschland über 200tausend Exemplare pro Monat über die Ladentheken. Das sind Absätze, davon konnten wohl die allermeisten anderen Titel bestenfalls nur sehr kühn träumen. Die Comics waren unter Fans immer ein leidenschaftlich diskutiertes Thema. Einigen waren die Bildergeschichten als zu seicht, andere hingegen feierten sie dafür, noch subversiver zu sein als die Fernsehserie. Über die tatsächlichen Gründe kann man heute nur noch spekulieren, jedenfalls: Der US-Markt fing an zu bröckeln und irgendwann waren die Absatzzahlen der Heftchen auf einem Niveau angekommen, dass sich eine Weiterführung der Veröffentlichung nicht mehr lohnte. Mit Erscheinen von Heft 245, veröffentlicht am 17. Oktober 2018, gingen für die Simpsons in Comicform die Lichter aus. In Deutschland war mit Heft 248 am 12. Dezember des gleichen Jahres Feierabend. Zusätzliches Material sorgte hier für die Unterschiede in der fortlaufenden Nummerierung.

Dass Panini, welche anno dazumal die einstmals vom nicht mehr existierenden Dino-Verlag (Panini hatte sich Dino Anfang 2003 einverleibt) in Deutschland an den Start gebrachten Comics um die gelbste Familie der Welt als Hardcover-Band neu auflegt, ist nicht neu. Sammelbände aller Geschmacksrichtungen gab es in den zurückliegenden Jahren immer wieder mal. Bei den „Simpsons Comics Deluxe“ wirbt Panini damit, dass die Inhalte überarbeitet wurden und nun chronologisch im edlen Deluxe-Format erhätlich sind. Endlich, wie der Verlag schreibt. Ob und inwiefern das ein Grund zum Jubeln ist, hängt wohl vor allem und ganz wesentlich davon ab, wie es um die bisherige Simpsons-Comicsammung bestellt ist. Hat man diese in den vergangenen Jahren schon ordentlich gepflegt und befüllt, dann kann man diese neuerliche Auflage wohl im Buch- und Comichandel stehen lassen. An dem Umstand, dass seit Jahren kein neues Material mehr erscheint, hat sich nichts geändert. Fängt man allerdings erst an, weil man – aus welchen Gründen auch immer – bisher keine Comics der Simpsons sein Eigen nennt, sieht die Sache anders aus.

Die Geschichten, und damit komme ich zum ersten Absatz zurück, sehen heute noch klasse aus und sind vor allem heute noch sehr unterhaltsam und lesenswert. Und dabei spielt es keine besondere Rolle, ob Mr. Burns, im Versuch ein Verjüngungsmittel zu erlangen, einen monströs großen Homer erschafft – im Schlüpper mit Eingriff, versteht sich! Oder ob Bart eine schauerliche Story über einen Comicsammler erzählt (wie meta diese Geschichte doch ist …). Oder ob Marge ihrem Gatten auf die Schliche kommt, der angeblich eine Affäre hat – ausgerechnet mit Marges Schwester Selma. Oder Bartman und Radioactive Man sich mit nur allzu bekannten Außerirdischen auseinandersetzen. Oder gar, ob Barts Leben einmal mehr von Sideshow Bob bedroht wird … 

Natürlich: Nicht jede der hier versammelten Storys ist ein absoluter Volltreffer. Aber seien wir mal ehrlich: Das ist in den über 30 Jahren der Fernsehserie auch oft genug der Fall gewesen. Interessante Randnotiz: Die Geschichten der Comics sind eigenständig und keine Nacherzählungen dessen, was in der Serie passierte. Dennoch wurde in beiden Medien in seltenen Fällen das gleiche Thema behandelt, etwa eine Parodie der TV-Serie „24“.

Das Hardcover-Buch wirkt sehr wertig. Allerdings darf man das von einem Buch mit dem nicht gerade günstigen Preis von 39 Euro für rund 260 Seiten wohl auch erwarten. Der Preis, könnte ich mir vorstellen, ist möglicherweise auch ein Showstopper. Der Umfang passt so weit, auch wenn ich mir vielleicht noch den ein oder anderen redaktionellen Beitrag gewünscht hätte, um den Eindruck von altem Wein in neuen Schläuchen zu reduzieren. Am eigentlichen Inhalt gibt es jedoch nichts zu meckern. Die Simpsons in Comicform machen auch im Jahr 2025 noch so viel Spaß, wie 1993 bzw. 1994, als sie erstmals veröffentlicht worden sind. Ich kenne die dahinterliegende Kalkulation seitens Panini nicht, aber rein vom Bauchgefühl her würde ich sagen: Zehn Euro weniger hätten es auch getan. Diejenigen aber, für die der Preis in Ordnung ist, bekommen hier eine ordentliche Portion Simpsons, die glücklich macht.

Some comics don’t age all that well. Maybe it’s due to the way they were produced, or because their artistic style—I'm thinking especially of the illustrations—just doesn’t hold up anymore. Or maybe it’s because the cultural mindset behind the stories has become so outdated that even the warm fuzzy glow of nostalgia can’t save them. And then there are comics that do age well—because none of the above applies. And, believe it or not, there are even some that age so ridiculously well, you can hardly believe it’s been over 30 years since they first hit the shelves! That last category? That’s where you’ll find the comics about the quirkiest, yellowest family in the world: The Simpsons.

Panini is now bringing those old issues back in a brand-new edition. Once again, in sturdy hardcover form. The first volume in this “Simpsons Comics Deluxe” series is what we’re going to talk about today.

It’s almost redundant to say that The Simpsons are a pop culture phenomenon unlike anything else. Only Doctor Who has racked up more episodes—and that show had a solid 25-year head start on what remains the longest-running animated series on the planet. Naturally, it didn’t take long after Homer, Marge, Lisa, Bart, and Maggie first graced television screens around the globe before they made the leap to the printed page. Creating comics based on a cartoon show? Not exactly the wildest idea.

At its peak, The Simpsons comic sold over 200,000 copies per month in Germany alone. That’s a level of success most other titles could only daydream about. Fans were always hotly divided over the comic versions—some found the stories too tame, while others praised them for being even more subversive than the show itself. The true reasons behind the eventual decline are anyone’s guess at this point, but the U.S. market started to crumble, and eventually, the numbers just weren’t there anymore. With issue #245, released on October 17, 2018, the comic book lights went out in the U.S. In Germany, issue #248 on December 12 of the same year marked the end. Slight variations in numbering came down to bonus content included in the German editions.

It’s not the first time Panini has given the yellowest family in comics the hardcover treatment. After taking over from the now-defunct Dino Verlag in early 2003, Panini has occasionally released collected editions over the years. With Simpsons Comics Deluxe, they’re now promoting a revised and chronological version in a sleek, premium format. “Finally,” as the publisher puts it. Whether that’s cause for celebration depends largely on the state of your current Simpsons comic collection. If you've already got a well-stocked shelf full of Bart & Co., you might not need this edition. It’s not like there’s any new material being added—those days are long gone. But if you're just getting started—or somehow managed to avoid picking up any Simpsons comics until now—this might be the perfect place to begin.

And circling back to my original point: the stories still hold up. They look great, they read great, and—most importantly—they still entertain. Whether it’s Mr. Burns creating a grotesquely giant version of Homer (yes, in his underpants, fly and all) in an effort to discover the fountain of youth, or Bart telling a spooky tale about an obsessive comic book collector (meta, much?), or Marge suspecting Homer of having an affair—with her sister Selma, of all people—or even Bartman and Radioactive Man taking on some very familiar aliens... or yes, Sideshow Bob once again making it his life’s mission to murder a ten-year-old boy.

Sure, not every story here is a solid gold hit. But let’s be honest: that’s true of the TV series as well, even in its heyday. Fun fact: the comic stories are original—they’re not retellings of TV episodes. Although, in rare cases, both media did tackle the same ideas. One example? A parody of 24.

The hardcover book itself feels high-quality, as it should—€39 for about 260 pages doesn’t exactly scream “bargain bin.” That price tag could very well be a dealbreaker for some. The content volume is fine, though I wouldn’t have minded a few extra editorial features to help shake off the “old wine in new bottles” vibe. But the core material? No complaints. The Simpsons in comic form are just as much fun in 2025 as they were in 1993 or 1994, when these stories were first published. I don’t know what Panini’s internal pricing logic was, but my gut says: ten euros less would’ve been just right. Still, for anyone who’s cool with the price, this edition delivers a generous dose of Simpsons-style joy.

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Dass sich trotz des Bauchklatschers, den der originale „Blade Runner“ 1982 an den Kinokassen hinlegte, in den folgenden Jahrzehnten ein immer umfangreicher werdendes Universum voller Geschichten entwickeln würde, davon dürfte seinerzeit wohl niemand ausgegangen sein. Tja, und doch kam es genau so. Der von Sir Ridley Scott inszenierte und mit Harrison Ford und Rutger Hauer in den Hauptrollen besetzte Science-Fiction-Klassiker dient seit seiner Veröffentlichung nicht nur für andere Filme, für Musikschaffende oder im Bereich der Video-Games als scheinbar nie versiegende Inspirationsquelle. Auch im eigenen Kosmos gibt es immer mehr Beiwerk. Und weil das so ist, sprechen wir heute einmal kurz über eine weitere Comicreihe, deren erster Band von Panini unlängst veröffentlicht wurde: „Blade Runner 2039“. Aus dramaturgischen Gründen hebe ich mir den Untertitel für einen späteren Absatz auf.

Das letzte Mal, als wir uns an dieser Stelle über jene Spezialeinheit der Polizei von Los Angeles unterhielten, die unterwegs ist, um künstlich geschaffene Menschen – Replikanten – zu jagen und zu vernichten (sie nennen es nonchalant „in den Ruhestand schicken“), ging es um die deren Ursprünge. „Blade Runner Origins“ erzählte uns davon, wie es sich zugetragen hatte, dass der erste Blade Runner auf den Straßen von L.A. unterwegs war. „Blade Runner 2039“ macht einen Zeitsprung nach vorne. Rick Deckard ist längst nicht mehr im Dienst, die Tyrell Corporation nach den Ereignissen des ersten Films pleite und im Firmenimperium von Niander Wallace aufgegangen. Wer „Blade Runner 2049“ gesehen hat, ahnt es an dieser Stelle vielleicht schon: Der vorliegende Comic erzählt eine Art Vorgeschichte zu den Ereignissen, deren Zeuge wir in Denis Villeneuves hervorragender Filmarbeit werden durften.

Die Handlung folgt dem Tun eines ehemaligen Blade Runners, Aahna „Ash“ Ashina, der vor mehr als 20 Jahren geholfen hat, dass ein junges Mädchen und ihre Replikanten-Ersatzmutter von der Erde flüchten konnten. Nachdem die ersten Replikanten der damaligen Nexus-Baureihe gegen ihre Schöpfer aufbegehrten und danach auf der Erde um ihr Leben fürchten mussten (und erst recht nach den Ereignissen rund um Eldon Tyrell), wurde die Luft für die beiden sehr dünn. Zudem wollten sie den Fängen des Industriellen Alexander Selwyn entkommen, der nicht nur kein allzu großer Menschenfreund gewesen war, sondern seinerseits ebenfalls mit der Replikantentechnologie herumexperimentierte. Und scheinbar hatte er etwas in der Mache, dass eine massive Evolution in Sachen Replikanten darstellen würde: Fruchtbarkeit. Etwas, an dem Niander Wallace selbst sehr großes Interesse zeigt. Und so heftet sich eine die erste Replikantin, die im Dienste der Blade Runner unterwegs ist – ein „Geschenk“ von Wallace an das LAPD – an die Fersen der Flüchtenden. Ihr Name: Luv …

Spannender, gut erzählter Auftakt mit zwar nicht notwendigerweise schönen, dafür aber stimmungsvollen Bildern, der jene Epoche beleuchtet, die als Lücke zwischen den beiden bisherigen Filmen klafft. So in etwa ließe sich dieser erste Band mit dem Untertitel „Luv“ wohl in einem Satz ganz gut zusammenfassen. Mike Johnson und Mellow Brown, keine Unbekannten im „Blade Runner“-Business, erzählen hier eine Geschichte, die einmal mehr keinen allzu großen Fokus auf Action, Krawall und Remmidemmi legt, sondern die in ziemlich gemächlichem Tempo ganz offenbar die Welt der Replikanten und ihrer Jäger weiter ausschmücken soll. Genau weiß ich es tatsächlich nicht, aber ich gehe davon aus, dass die Comics zum Kanon gehören, offiziell also „passiert“ sind. Und als Fan freue ich mich immer, wenn der zunehmend reichhaltigeren Welt immer neue Mosaiksteinchen hinzugefügt werden.

Die Bilder, ich hatte es eben schon erwähnt, sind nicht unbedingt schön. Dafür aber eben stimmungsvoll, sie fangen das Geschehen gut ein. Ein bisschen fühle ich mich an Comickunst aus dem frankobelgischen Raum erinnert, was sicherlich nicht der schlechteste Eindruck ist, den man gewinnen kann. Wenn ich nun einen Vergleich bemühen wollen würde mit der letzten Comicreihe zum Thema, „Blade Runner Origins“, dann bin ich alles in allem zufrieden mit diesem Einstand. Ich hätte mir allenfalls ein bisschen mehr Mut und/oder Kreativität die Perspektiven betreffend gewünscht, um dem Inhalt entsprechend eine größere, cineastische Wirkung zu verleihen. Da hatte „Blade Runner Origins“ weit mehr zu bieten. Das aber ist Geningel auf allerhöchstem Niveau. Ich bin gespannt, wie es weitergeht und wie die Kreativen den Bogen zum Film „Blade Runner 2049“ schlagen werden.

Back in 1982, when the original Blade Runner crashed at the box office, few—if any—would’ve predicted that, in the decades to follow, an ever-expanding universe of stories would grow from its ashes. And yet, that’s exactly what happened. Ridley Scott’s now-legendary sci-fi film, starring Harrison Ford and Rutger Hauer, has since become an unending source of inspiration—not just for movies, but also for musicians and video game developers. And within its own universe? More and more side stories keep popping up. Which brings us to today’s topic: another entry in the ever-growing Blade Runner mythos, recently published by Panini—Blade Runner 2039. I’ll save the subtitle for a later paragraph, for reasons of dramatic flair.

The last time we checked in with that special Los Angeles police unit tasked with hunting down and "retiring" synthetic humans—Replicants, if you're new here—we were talking origins. Blade Runner: Origins took us back to the very beginning, showing how the first Blade Runner ended up patrolling the streets of L.A. Blade Runner 2039 jumps us forward in time. Rick Deckard is long gone. The Tyrell Corporation has gone bust following the fallout of the first film and has since been absorbed into Niander Wallace’s tech empire. If you’ve seen Blade Runner 2049, you may already suspect where this is headed: this comic functions as a sort of prelude to the events we witnessed in Denis Villeneuve’s masterful film.

The story follows former Blade Runner Aahna “Ash” Ashina, who, over 20 years ago, helped a young girl and her Replicant “mother” escape Earth. After the Nexus series rose up against their creators, and especially after the whole Eldon Tyrell debacle, life got very dangerous for any Replicants still Earth-side. On top of that, the two were fleeing a man named Alexander Selwyn—an industrialist not exactly known for his warm feelings toward, well, anyone. Selwyn had his own experiments going with Replicant tech, and what he was allegedly working on could mean a massive evolutionary leap: fertility. The very thing Niander Wallace is obsessed with. Which is why Wallace sends out his own little "gift" to the LAPD: the first Replicant ever to work for the Blade Runners. Her name? Luv.

It’s a compelling and well-paced opening act. And while the art isn’t exactly what I’d call beautiful, it absolutely nails the mood. This first volume—subtitled Luv, by the way—sits neatly in that narrative gap between the two existing films. And that’s a good thing. Writers Mike Johnson and Mellow Brown, both veterans of the Blade Runner comic world, aren’t in a rush. There’s no over-the-top action, no bombastic spectacle. Instead, we get a deliberate, slow-burn expansion of a world that keeps unfolding its philosophical layers. I’m not 100% sure, but I believe the comics are considered canon—so yes, these things happened. And as a fan, I’m always happy when another mosaic tile gets added to this rich and ever-growing universe.

As mentioned, the artwork may not be traditionally pretty, but it’s dripping with atmosphere. It captures the feel of the world perfectly. I even got a slight whiff of European comic art—French-Belgian bande dessinée, to be specific. And that’s not a bad thing at all. Compared to Blade Runner: Origins, I’d say this is a solid start. Maybe I would’ve liked a bit more creative ambition in the panel layouts or some bolder perspectives to give the whole thing a more cinematic punch. Origins definitely had more going on in that department. But that’s nitpicking on a very high level.

Bottom line: I’m intrigued to see where this goes—and how the creative team plans to bridge the gap to Blade Runner 2049.

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Nachdem hier gestern „Marvel Must-Have: Die Rückkehr von Wolverine“ ein Thema gewesen ist, bleibe ich noch kurz bei dem populären Mutanten mit den praktischen Adamantiumklauen im Handgelenk. Denn auch wenn Tod und Auferstehung von Logan aka Wolverine hinreichend bekannt sind, eine Sache war bis in die frühen 2000er-Jahre hinein noch nicht geklärt: seine Ursprünge. Einen Teil seiner Faszination und Popularität bezog die Figur aus dem Umstand, dass dessen Vergangenheit etwas war, das stets mit nebulösen Andeutungen umschifft wurde. Um die Jahrtausendwende herum war Marvel finanziell nicht ganz so gut aufgestellt – genau genommen stand man kurz vor der Pleite – und so warf der damals amtierende Chefredakteur Bill Jemas folgende Frage in den Raum: „Warum erzählen wir nicht endlich die größte Geschichte, die Marvel auf Lager hat?“

Diese Frage wurde bisher nicht gestellt, denn es war klar, dass damit nur Wolverines Ursprungsgeschichte sein konnte und der Grund dafür, sie bis dato nicht gestellt zu haben, erklärt sich ein paar Sätze weiter oben. Long story short: Nachdem Marvel für dieses Vorhaben zunächst von zahlreichen Autoren Absagen für dieses Unterfangen kassierte, fand sich mit dem höchst talentierten Autor Paul Jenkins (u. a. „Spawn: The Undead“) genau der richtige Mann, Wolverines Ursprungsgeschichte zu erzählen. Und mit Andy Kubert exakt der richtige Partner, die Sache in schöne Bilder umzusetzen. „Marvel Must-Have: Wolverine - Origin“ ist, das möchte ich vorab gerne anmerken, wieder ein Titel der Reihe, der das Prädikat „must have“ redlich verdient hat!

Manchmal weiß man schon beim Aufschlagen eines Comics und Betrachten der ersten Seite, dass sich im folgenden Verlauf ein wirklich bemerkenswertes Stück Comicliteratur wartet. So ist es auch bei „Wolverine - Origins“. Heute weiß man, dass Wolverine ein ziemlich zäher Typ ist, der nicht nur viel einstecken kann, sondern dank ausfahrbarer Klauen, inzwischen mit dem Fantasie-Metall Adamantium verstärkt, auch ordentlich austeilt. Wo ein Wolverine hinhaut, wächst so schnell kein Gras mehr. Wenn überhaupt. Und inzwischen dürfte man wohl auch wissen, dass Wolverine nur langsam altert und demnach schon mehr Jahre auf dem Buckel hat, als es auf den ersten Blick den Anschein hat.

Und so wirft uns Autor Paul Jenkins in die Wälder Kanadas, zeitlich wohl irgendwann recht knapp vor Anbruch des 19. Jahrhunderts angesiedelt. Im Mittelpunkt der Erzählung stehen drei Kinder. „Dog“ Logan, Sohn eines einfachen und (vor allem seinem Sohn gegenüber) gewalttätigen Arbeiters, der eine Frisur trägt, die seltsam vertraut ist. Der kränkliche James Howlett, Sohn einer wohlhabenden Familie, quasi als Gegenentwurf zu den Logans. Und das irische Mädchen Rose, das als Freundin und Zimmermädchen dem kränkelnden Knaben an die Seite gestellt wird. Zunächst haben alle drei auch eine gute Zeit, werden dicke Freunde, verbringen eine scheinbar unbeschwerte Kindheit. Aber wie das so ist: Die wohl am tiefsten verwurzelten menschlichen Eigenschaften – Neid und Missgunst – brechen sich auch in dieser Konstellation Bahn. Erschwerend kommt hinzu, dass zwei Typen um die Gunst einer Frau buhlen.

Ohne zu viel zu verraten: Die Lage eskaliert irgendwann richtig, es wird blutig und am Ende gibt es diverse Tote. Dem kränklichen Jungen, wohl aus einer Laune der Natur heraus, sind (zu dieser Zeit noch) knöcherne Klauen aus den Händen entwachsen, die wiederum im Gesicht von „Dog“ Logan diverse tiefe, heute nur allzu bekannte Narben hinterlassen haben. James und Rose flüchten in einen anderen Bundesstaat Kanadas, werden andere Menschen. Der einstige Howlett-Sohn trägt nun den Namen Logan. Der echte Logan aber hat die Ereignisse überlebt und macht sich, auf Rache sinnend, auf die Suche nach John Howlett. Eine Feindschaft, die Jahrzehnte überdauern und die so manchen Kollateralschaden fordern wird, ist geboren …

Um es kurz zu machen: Eine sagenhaft gute und gut erzählte Geschichte haben wir hier, die den Test der Zeit mühelos bestanden hat. Jenkins bewies sich damals einmal mehr als begnadeter Autor, der seinen Figuren viel Profil und Tiefe angedeihen lassen hat. Deren Handlungen stets schlüssig und nachvollziehbar sind und die mehr sind, als eindimensionale Abziehbildchen. Für den Fall, dass sich das aus dem zuvor Geschriebenen noch nicht ergeben haben sollte: „Wolverine - Origins“ ist kein typischer Superheldencomic, auch wenn hier der Ursprung des berühmtesten X-Men aller Zeiten erzählt wird. Viel mehr erinnert dieses Werk an klassische Abenteuerromane oder auch grimmige Rache-Western mit einem Charles Bronson in der Hauptrolle. Ich denke da an Filme wie „Yukon“, im Deutschen auch „Ein Mann wird zur Bestie“ bekannt.

Die – man kann es nicht anders sagen – prächtigen Bilder von Andy Kubert stehen der Handlung in Nichts nach. Ganz im Gegenteil. Die teilweise sehr detaillierten Bilder, die wunderbar lebhaften Farben erzeugen stets die richtige und passende Stimmung. Wenn Wolverine mit Wölfen inmitten des kanadischen Winters in einer Vollmondnacht in den Tiefen der Wälder um die Wette heult, dann ist das genauso großartig und stimmungsvoll umgesetzt wie das wärmende Kaminfeuer der Familie Howlett zum Weihnachtsfeste. Weltklasse!

Selbst wenn man nicht zu den größten Wolverine-Fans zählt:  Diese Story gehört in die Sammlung, sofern sie nicht ohnehin schon dort verweilt. Ich bin absolut überzeugt davon, dass „Wolverine - Origin“ auch weitere 25 Jahre von hier aus eine absolut erstklassig geschriebene und gezeichnete Geschichte geblieben sein wird. Ein zeitloser Klassiker. Eben ein echtes Must-Have!

Since yesterday’s post was all about Marvel Must-Have: The Return of Wolverine, I figured I’d stick with the ever-popular mutant with those oh-so-handy Adamantium claws in his wrists for just a little longer. Because even though Logan’s whole death-and-resurrection thing has been well-documented by now, one big question remained unanswered well into the early 2000s: Where did he actually come from?

Part of Wolverine’s mystique and enduring popularity came from the fact that his past was always kept deliberately vague—teased through foggy flashbacks and cryptic hints. Around the turn of the millennium, though, Marvel wasn’t doing all that hot financially—in fact, they were teetering on the edge of bankruptcy. That’s when then-editor-in-chief Bill Jemas asked the question that had been deliberately avoided for decades: “Why don’t we finally tell the biggest story Marvel has in its vault?”

Everyone knew what he meant. There was only one story big enough to warrant that kind of build-up: Wolverine’s origin. The reason no one had touched it before? See above. Long story short: after getting turned down by a number of writers, Marvel eventually handed the project over to the exceptionally talented Paul Jenkins (Spawn: The Undead, among others)—and, lucky for us, he was up for the task. Add artist Andy Kubert to the mix, and you’ve got the perfect duo to finally tell the tale. Let me just say up front: Marvel Must-Have: Wolverine – Origin totally lives up to its label.

Sometimes, you open a comic, take one look at the first page, and know you’re in for something special. That’s exactly what happened here. By now, everyone knows Wolverine’s a tough SOB who can take a beating and dish it out thanks to those retractable claws—now reinforced with the imaginary super-metal Adamantium. Wherever Logan goes, the grass doesn't grow back anytime soon. If ever. And yeah, we’ve all caught on by now: the guy ages very slowly, which means he’s been around way longer than he looks.

So writer Paul Jenkins throws us deep into the Canadian wilderness—sometime in the late 1800s, give or take. At the heart of the story are three kids. There’s “Dog” Logan, son of a brutish, abusive laborer who rocks a haircut that looks… oddly familiar. Then there’s James Howlett, a sickly boy from a wealthy family—the polar opposite of Dog in every way. And finally, Rose, an Irish girl who’s been brought in to keep James company and serve as a sort of nanny and friend. The trio starts out inseparable, enjoying what seems to be an idyllic childhood. But as always, the darkest corners of the human soul—jealousy and resentment—soon begin to surface. Add two men vying for the same woman into the mix, and things start to unravel quickly.

Without giving too much away: things escalate. Violently. Blood is spilled. People die. And our sickly little James suddenly sprouts (still bone-made at this point) claws from his hands—leaving deep, now-iconic scars on Dog’s face. James and Rose flee across the country, start new lives. James becomes Logan. But the real Logan survives the chaos and sets out on a revenge mission. He’s hunting down John Howlett. Thus begins a decades-long feud filled with pain, violence, and a hefty body count.

To sum it up: this is one hell of a good story—beautifully told and masterfully executed. Jenkins once again proves himself as a gifted writer who brings real depth and nuance to his characters. Their actions make sense. Their choices feel grounded. These people aren’t just cardboard cutouts in superhero spandex. And just to be clear: Wolverine – Origin isn’t your typical superhero comic, even if it is about the most famous X-Man of all time. Instead, it reads more like a classic adventure novel—or a gritty revenge western. Think Charles Bronson in Yukon (aka A Man Becomes a Beast, if you know the German title).

And the art? Absolutely gorgeous. Andy Kubert knocks it out of the park. The level of detail, the use of color, the way he captures atmosphere—it’s all perfectly in sync with the tone of the story. Whether it’s Logan howling at the moon with wolves in the dead of a Canadian winter or the cozy warmth of the Howletts’ Christmas fireplace, every panel delivers pure visual storytelling bliss. Top-tier stuff.

Even if you’re not a die-hard Wolverine fan: this one needs to be in your collection—assuming it isn’t already. I’m convinced that Wolverine – Origin will still hold up 25 years from now. A timeless classic. A true Must-Have.

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Wie so manch ans Kreuz Genagelter vor ihm, so beschritt auch Wolverine, der Mutant mit den Klauen in den Griffeln, den Weg von Tod und Auferstehung. Bevor jetzt irgendjemand irgendwas von Blasphemie durch den Raum brüllt – Wolverine wurde dereinst tatsächlich an ein Kreuz gehämmert. An ein naheliegenderweise x-förmiges zwar, aber eben doch Kreuz. Und wer sich mit Marvels Comics nicht beschäftigt, wohl aber mit diesem oder jenem Film aus dem MCU bzw. dessen Quasi-Vorläufer, konnte es mitbekommen, dass Wolverine – oder Logan, wie er ohne Kostüm genannt wird – dereinst das Zeitliche segnete. Nur um dann in dem allenfalls mittelprächtigen „Deadpool & Wolverine“-Machwerk zurück auf die Leinwand geholt zu werden.

Natürlich gab es eine derartige Lazarus-Geschichte auch in den Comics, wie üblich auch mit einigem Versatz. Charles Soule ließ Wolverine vor ein paar Jahren ziemlich effektvoll und höchst dramatisch über die Klippe springen. „Der Tod von Wolverine“ nannte sich der Handlungsbogen, der durchaus Wellen schlug. In den allermeisten Fällen bleibt eine populäre Comicfigur allerdings nie lange tot. Ich meine, hey, selbst Superman musste schon mal den Löffel reichen – und der ist tendenziell etwas stabiler als der ohnehin schon sehr robuste Wolverine. Tatsächlich ist die Gnade des ewigen Ablebens nicht einmal Randfiguren oder Sidekicks beschieden. Manchmal, wenn eine Figur aus der Versenke zurückgeholt wird, kommt sie mit neuem Kostüm daher. Oder neuen Charaktereigenschaften. Der Gutmensch wird zum Bösewicht oder umgekehrt. Red Hood, anyone? Und damit bin ich nach zwei gehaltvollen Absätzen auch beim eigentlichen Thema angelangt. Einem weiteren Eintrag in Paninis „Marvel Must-Have“-Reihe, in der Logan bzw. Wolverine ins Reich der Lebenden zurückkehrt. Und tatsächlich scheint es für Außenstehende so, als habe Wolverine sich plötzlich auf die andere Seite der Meinungsfreiheit verabschiedet.

Was natürlich kompletter Blödsinn ist. Wolverine kann nicht aus seiner behaarten Haut und gehört auch nach seiner Rückkehr zu den Guten. Allerdings schnitzelt er sich, ganz so wie es eben seine Art ist, durch die Gegend und erweckt damit die Aufmerksamkeit der X-Men, die sich ihm direkt an die Fersen heften. Was sie nicht wissen: Wolverine hat eine Mission, die wie üblich etwas mit dem Retten unschuldiger Leben zu tun hat. Was er nicht weiß: Er ist einer geheimnisvollen Frau namens Persephone auf den Leim gegangen, deren special effect es ist, Tote wieder auferstehen zu lassen. Als Anführerin eines ominösen Bundes namens Soteira hat sie sogar eine ganze Stadt voller Wiedergänger erschaffen. Und dort fallen die X-Men ein. Es gibt reichlich Handgemenge, bei dem die X-Men nicht so richtig gut wegkommen. Und als Wolverine dämmert, was eigentlich Phase ist, könnte es fast schon zu spät sein …

Charles Soule, der den Tod Wolverines niedergeschrieben hatte, war auch für dessen Auferstehung verantwortlich. Was meines Erachtens konsequent und folgerichtig ist. Für die zeichnerische Umsetzung verantwortlich waren Declan Shalvey und Steve McNiven, die unterschiedliche, aber dennoch zueinander passende und durchaus realistisch anmutende Stile aufweisen. In Kombination sorgt das dafür, dass sich dieser Comic wie die früheren „X-Men“-Filme aus dem Hause 20th Century Fox anfühlt. Finde ich nicht die schlechteste Assoziation. Wer die Streifen damals mochte, wird sich gewiss schnell heimisch fühlen.

Da kann man auch mal wohlwollend darüber hinwegsehen, dass die Zeichnungen aller Details zum Trotz eher statisch wirken. Wäre dies eine Kameraführung, würde ich sie wohl mit gemächlich umschreiben. Das passt allerdings wiederum ganz gut zu der manchmal konfusen Handlung, die alles in allem auch in eher gemächlichen Tempo daherkommt. Wäre ich ketzerisch, dann würde ich wohl schreiben: Es scheint, als habe das Kreativteam ihren frisch Reanimierten nicht direkt zu sehr hetzen wollen – nicht, dass er vor lauter Aufregung gleich wieder aus den Latschen kippt!

Würde man den Faktor, dass es sich hier um die zentrale Story von Wolverines Rückkehr ins Reich der Lebenden handelt, außer Acht lassen, es wäre nicht zwingend eine Must-Have-Geschichte. Die Story um Verlust, Rache und einer gewissen Portion Selbsterkenntnis ist nett und durchaus unterhaltsam. Das Leben wäre aber nicht ärmer, würde man sie nicht kennen. Wer nicht ausgewiesener Fan des kleinen Wüterichs mit dem stählernen Knochenbau ist, kommt sicher auch weiterhin ohne zurecht. Umgekehrt gilt aber auch: Für Fans von Wolverine mag diese Story durchaus das Prädikat Must-Have verdient haben. Ich enthalte mich an dieser Stelle.

Like a few others before him who got nailed to a cross, Wolverine – the mutant with claws for fists – also took the scenic route from death back to life. And before anyone starts screaming blasphemy: yes, Wolverine was actually nailed to a cross once. Granted, it was an X-shaped one (makes sense, right?), but a cross nonetheless. And if you’re not into Marvel Comics but have seen a movie or two from the MCU—or its quasi-predecessors—you might know that Wolverine, aka Logan when he’s off-duty, bit the dust at one point. Only to be brought back to the screen in the rather middling “Deadpool & Wolverine” flick.

Naturally, there was a Lazarus-style resurrection arc in the comics, too—just with the usual time lag. Charles Soule had Logan take a pretty spectacular and dramatic swan dive back then. That arc was called The Death of Wolverine and it made quite a splash at the time. But let’s be honest: in comics, popular characters rarely stay dead for long. I mean, even Superman had to kick the bucket once—and he’s arguably a bit more indestructible than the already absurdly durable Wolverine. In fact, even sidekicks or minor characters don’t get the luxury of eternal rest. And when someone does come back, they often return with a new costume or a brand-new personality. Saint turns sinner, villain goes hero. Red Hood, anyone?

Which brings me (after two hearty paragraphs) to the actual topic: another entry in Panini’s “Marvel Must-Have” line, where Logan—yep—comes back from the land of the dead. And honestly, from the outside it almost looks like Wolverine decided to switch sides and ghosted the good guys entirely.

Which, of course, is complete nonsense. Wolverine is still his gruff, growling, justice-driven self—even after his resurrection. As always, he’s slicing his way through the bad guys, which naturally puts him back on the X-Men’s radar. So they start tailing him. What they don’t know is that Logan’s on a mission—naturally one that involves saving innocent lives. What he doesn’t know is that he’s been manipulated by a mysterious woman named Persephone, whose special trick is bringing dead people back to life. She’s the head of a shadowy organization called Soteira, and she’s managed to populate an entire city with reanimated corpses. The X-Men storm the place. Things get messy. And by the time Wolverine starts to realize what’s really going on… it might be too late.

Charles Soule, the guy who wrote Wolverine’s death, also handled his return. Which, in my opinion, is fitting and actually makes a lot of sense. The artwork is split between Declan Shalvey and Steve McNiven, whose different but complementary and realistic styles create a vibe that feels a lot like those early X-Men movies from 20th Century Fox. Not the worst association to make. If you enjoyed those films, you’ll probably feel right at home here.

It’s easy to forgive the fact that the art, for all its detail, feels a bit static at times. If it were a camera movement, I’d probably call it “leisurely.” But then again, that matches the sometimes muddled and generally slow-paced storyline. If I were feeling cheeky, I’d say: the creative team clearly didn’t want to rush their freshly resurrected hero—wouldn’t want him to keel over from all the excitement, right?

If you ignore the fact that this is the story about Wolverine’s big comeback from the dead, this wouldn’t necessarily qualify as a must-read. The themes—loss, revenge, a touch of soul-searching—are solid and entertaining enough. But your life won’t feel incomplete if you skip it. Then again, if you’re a hardcore fan of the clawed little berserker with the metal skeleton, this story might absolutely deserve the Must-Have label. Me? I’ll stay neutral on this one.

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Bis zur Veröffentlichung von „NÄCHTE“, dem dann dritten Album des ganz wunderbaren Electro-Pop-Duos UMME BLOCK, dauert es nunmehr nur noch rund zwei Wochen. Eine Ewigkeit, fürwahr, wenn man gespannt ist wie ein Flitzebogen und das Album eigentlich gar nicht früh genug kommen kann. Aber dennoch in Summe überschaubar. Zumal es ja auch so ist, dass die beiden Damen Leoni Klinger und Klara Rebers die Zeit bis zur Veröffentlichung mit Vorab-Singles und zugehörigen Videos verkürzen.

Gefühl gerade eben erst kam „DU SAGST“, einer der zahlreichen in deutscher Sprache verfassten Tracks des kommenden Albums. Doch am vergangenen Freitag legte das Duo mit „BREATHE“ nach. Eine Nummer, über die UMME BLOCK Folgendes zu berichten wissen:

„'BREATHE' beschreibt eine Auseinandersetzung mit dem Gefühl der Überwältigung, der inneren Erschöpfung und der Unfähigkeit, sich zu bewegen oder zu handeln – sowohl im physischen als auch im emotionalen Sinne. Es geht um die Erfahrung, in einem Zustand der Bewegungslosigkeit zu verharren, in dem das bloße Überleben – das Atmen – gerade noch das einzig Mögliche ist, während alles andere unerreichbar scheint. Der Track reflektiert eine tiefgehende Unzufriedenheit mit einer gegenwärtigen Situation, aber auch eine Art Akzeptanz, dass es momentan keine andere Möglichkeit gibt, als einfach weiterzumachen.“

Ein Video gibt es dieses Mal auch wieder, schaut es Euch gern an:

Übrigens: Falls Ihr auch zu denen gehört, die es nicht auf das Release-Konzert am 09.05.2025 im Münchener LIVE/EVIL schaffen - die Damen UMME BLOCK werden zu einem späteren Zeitpunkt im Jahr noch einmal auf eine kleine Tour gehen. Nachfolgend die Termine:

UMME BLOCK - NÄCHTE Tour 2025

• 09.05. München, LIVE/EVIL (NÄCHTE Release Show)

• 06-08.06. Augsburg, Modular Festival

• 26.07. Würzburg, Wein am Stein Festival

• 14.-16.08. Schwabmünchen, Singoldsand Festival

• 13.10. Köln, Tsunami

• 14.10. Hamburg, Hebebühne

• 15.10. Berlin, Kantine am Berghain

• 16.10. Leipzig, Moritzbastei

Only about two weeks to go until NÄCHTE, the highly anticipated third album from the wonderful electro-pop duo UMME BLOCK, finally drops.

It feels like an eternity, honestly—especially when you're buzzing with excitement and wishing the album would arrive yesterday. Still, two weeks is manageable. Especially since Leoni Klinger and Klara Rebers are easing the wait with a steady stream of pre-release singles and videos.

It feels like just yesterday that they gave us “DU SAGST,” one of many upcoming tracks performed in German. And yet, last Friday, they followed up with “BREATHE.” Here’s how UMME BLOCK describe their latest track:

*“'BREATHE' portrays a confrontation with feelings of overwhelm, inner exhaustion, and the inability to move or act—both physically and emotionally.

It’s about experiencing a state of paralysis, where mere survival—just breathing—is all that’s possible, while everything else seems completely out of reach.

The track reflects a deep dissatisfaction with the current situation, but also a kind of acceptance that, for now, all you can do is keep going.”*

By the way:
If you can’t make it to the release concert on May 9, 2025, at LIVE/EVIL in Munich—don’t worry!

UMME BLOCK will be hitting the road again later this year for a small tour.
Here are the dates:

UMME BLOCK - NÄCHTE Tour 2025

• 09.05. München, LIVE/EVIL (NÄCHTE Release Show)

• 06-08.06. Augsburg, Modular Festival

• 26.07. Würzburg, Wein am Stein Festival

• 14.-16.08. Schwabmünchen, Singoldsand Festival

• 13.10. Köln, Tsunami

• 14.10. Hamburg, Hebebühne

• 15.10. Berlin, Kantine am Berghain

• 16.10. Leipzig, Moritzbastei

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Ein Grund, warum ich Comics liebe, ist, dass sich dort Geschichten auf eine Weise erzählen lassen, wie es in anderen Medien kaum bis gar nicht möglich wäre. Einzig Videospiele überschreiten manchmal noch mehr die Grenzen dessen, was ein menschlicher Verstand sich auszumalen imstande ist. Hinzu kommt dort allerdings das interaktive Element. Filme und Serien sind meines Erachtens für manchen abgedrehten Quatsch zu limitiert und bei Büchern steht und fällt alles mit der eigenen Fähigkeit, das geschriebene Wort im eigenen Kopf zu Bildern formen zu können.

Ein Paradebeispiel dafür, wie sehr man wirklich wildes Zeug zu Papier bringen kann, war der erste Band aus der aktuellen „Flash“-Serie unter dem „Dawn of DC“-Banner. Mein lieber Herr Gesangsverein, war das damals eine wilde Sause durch Zeit und Raum! Easypeasy und ohne mit der Wimper zu zucken, ließen Autor Si Spurrier und (Haupt-)Zeichner Ramón Perez die Grenzen und Konventionen typischer Superheldencomics weit hinter sich! Und lasst Euch mal sagen: Das war nur die Spitze des Eisbergs! Der zweite Band, von Panini mit „Bis ans Ende der Zeit“ untertitelt, packt noch ein paar Schippen obendrauf.

Wally West ist verschwunden. Zack, weg, wie vom Erdboden verschluckt. Derweil bekommt es Bary Allen, der auf der Suche nach seinem Speed-Force-Kumpel ist, mit Professor Zoom zu tun. Überall auf der Welt treten seltsame Phänomene auf, die – natürlich – mindestens Chaos, wenn nicht sogar auch eine Spur der Verwüstung hinterlassen. Es überrascht nicht, dass dies dem Wirken von Helden in die Schuhe geschoben wird. Und immer dann, wenn man den (im besten Sinne) kostümierten Gutmenschen irgendwie ans Bein pinkeln kann, ist eine gewisse Amanda Waller nicht weit. Somit wäre die Frage, ob dieser zweite „Flash“-Band mit den aktuellen „Absolute Power“-Ereignissen zu tun hat, geklärt.

Wally West indes hat sich selbstredend nicht spontan in Luft aufgelöst, sondern ist irgendwo in Zeit, Raum und den nicht wirklich begreifbaren Weiten der Speed Force gefangen. Die Arkusengel verfolgen einen simplen wie perfiden Plan: Die Zeit soll sterben. Sie wollen sie ermorden. Und damit im Prinzip nicht weniger als das Ende der Realtität einleiten. Klar, drunter machen sie’s halt auch nicht, ne. Aber es gibt eben Kräfte zwischen Himmel und Hölle (oder in Raum und Zeit oooder was auch immer Euch gerade in den Sinn kommt), die kann man nicht nur schlecht erklären, sie sind auch stärker als jedes Übel. Sie sind sogar in der Lage, einen zur leeren Hülle degradierten Wally West wieder zurück ins Boot zu holen. Und dann, als sich die Speedster-Familie der Wiedervereinigung annähert, werden sie Zeuge eines wirklich außergewöhnlichen Ereignisses!

Ich kann es nur wiederholen: Das, was Autor Si Spurrier hier zu Papier gebracht hat, ist zu wild, zu abgedreht, zu bombastisch, zu Grenzen sprengend, zu überdimensional und ja, irgendwie auch zu eindrucksvoll, um das adäquat zu umschreiben. Die Aussage, dass man das selbst erlebt haben muss, war wohl kaum treffender als in diesem Fall! Wohin die Reise von Barry und Wally gehen wird, werden wir erleben. Ich möchte aber im Inbrunst der Überzeugung behaupten, dass die ersten beiden Bände dieser Reihe sich nachhaltig in meinem Gedächtnis verankert haben werden. Bisschen so, wie beispielsweise „Flashpoint“ damals.

Nur dass es hier neben der abgefahrenen Story zusätzlich auch noch das famose Spiel innerhalb der Zeichnungen ist, das begeistert. Wie in beiden Bänden mit den Begrenzungen der Panels gespielt wurde, wie gut man die Reise durch die interdimensionale Speed Force zu Papier brachte und so weiter - sagenhaft! Ich hätte die Fantasie nicht gehabt. Weder, um so eine im Wortsinn fantastische Story zu schreiben. Noch weniger hätte ich gewusst, wie man so etwas zeichnerisch hätte umsetzen wollen. Vermutlich hätte ich irgendeine generative Bild-KI zu Rate gezogen und sie einfach mal machen lassen. Und wäre trotzdem nicht zu so einem eindrucksvollen Ergebnis gekommen.

Unterm Strich: Ein wirklich dolles Ding, das ich nur zu gern empfehle - wohlwissend, dass es manchmal nicht ganz einfach war, der Handlung zu folgen. Was ich als jemand, der Filme wie „12 Monkeys“ mag, aber nicht als Makel ansehe. Ist doch prima, wenn auch bei Comics der Verstand ein bisschen herausgefordert wird, oder?

One of the biggest reasons I love comics is simple:
They tell stories in ways no other medium can.

Sure, video games sometimes push those boundaries even further—thanks to their interactive nature.
Movies and TV shows? A bit too limited for some of the truly out-there stuff. And books? They live and die by your ability to turn words into vivid pictures inside your own head.

If you want a perfect example of just how wild comic storytelling can get, look no further than the first volume of the current Flash series under the Dawn of DC banner.

Holy hell, what a ride that was—blasting through time and space with zero hesitation!
Writer Si Spurrier and lead artist Ramón Perez didn’t just nudge superhero conventions aside—they completely left them in the dust.

And guess what?
That was just the tip of the iceberg.

Because the second volume—subtitled “Until the End of Time” in the Panini release—cranks everything up even further.

Wally West is gone.
Poof.
Vanished—like he was never there.

Meanwhile, Barry Allen, desperate to find his fellow speedster, is facing off against Professor Zoom.
Strange phenomena are erupting across the globe, causing chaos and destruction—and of course, it’s heroes who get blamed for it.

And where there’s an opportunity to blame superheroes? Amanda Waller is never far behind.

(So yes, in case you were wondering: this ties right into the current Absolute Power storyline.)

As for Wally?cHe didn’t just disappear—he’s trapped somewhere deep in the bizarre, mind-bending depths of the Speed Force.

And the stakes?
The Archangels (yeah, those guys) have a nice little plan:
They want to kill time itself.
End it.
Eradicate reality as we know it.
Because of course they do.

But between heaven and hell—or space and time, or whatever cosmic dimensions you want to imagine—there are forces even stronger than evil itself. Forces capable of pulling Wally West, a man reduced to a literal husk, back into the fight.

And when the Speedster family starts to reunite? They witness a truly extraordinary event.

Let me just say it plainly:
What Si Spurrier has created here is too wild, too explosive, too boundary-shattering, and too stunning to properly describe.

You have to experience this yourself. No exaggeration.

This is the kind of comic you’ll remember years from now—much like Flashpoint still lingers in the collective memory today.

And it’s not just the story that’s mind-blowing:
The artwork absolutely plays along.

The way these two volumes break the constraints of traditional comic panels? The way they visually capture the interdimensional madness of the Speed Force?

It’s breathtaking.

Honestly, I wouldn’t have had the imagination to come up with something like this—
let alone figure out how to draw it.

I would’ve probably turned to some generative AI and hoped for the best—and still wouldn’t have come close to what the creative team achieved here.

Bottom line:
This is a fantastic piece of work, and I wholeheartedly recommend it—even if, at times, the plot twists and timelines make your head spin.

But you know what? As someone who loves movies like 12 Monkeys, I don’t see that as a flaw at all. If anything, I love it when a comic challenges the mind a little.

Isn’t it great when even comics push you to think just a bit harder?

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Für einen kurzen Moment war ich versucht, diese Review des achten Studioalbums von Garbage, das auf den nicht ganz so leicht von den Lippen gehenden Namen „Let All That We Imagine Be Light“ getauft wurde, mit einer Betrachtung über den Zustand der Welt zu beginnen. Aber dass das Haus, in dem wir alle leben, lichterloh in Flammen steht, können alle wissen, die sich dafür interessieren. Überschwemmungen hier und da, Kriege, Konflikte und Staaten, die man für Verbündete hielt und die sich im Eiltempo Richtung Autokratie (wer hat hier Faschismus gerufen?) verabschieden - ich wüsste gar nicht, wo ich anfangen sollte. Ich verstehe aber, dass die Gesamtlage mehr als nur geeignet dazu ist, dass Mut und Mundwinkel mit Anlauf nach unten donnern.

Wenn es Euch irgendwie ein Trost ist – Kunst- bzw. Musikschaffenden geht es nicht anders. Alles, was passiert, hat natürlich auch Einfluss auf das Leben und Wirken von Shirley Manson und ihren Jungs von Garbage. Nun kann man natürlich den Kopf in den Sand stecken, so tun, als höre und sehe man nicht, was los ist oder, noch schlimmer, einen Fatalismus entwickeln und daraufhin in Depressionen abrutschen. Kann man alles machen, bringt nichts, aber eine Entscheidung wäre es allemal. Oder aber man macht es wie Garbage, kneift die Arschbacken zusammen und versucht, in all der Scheiße um uns herum immer noch das Gute zu sehen, im übertragenen Sinne das Feuer am Lodern zu halten. Denkbar ist doch, dass der Funken dadurch auch (wieder?) auf andere überspringt, oder? Und damit werfen wir mal einen ausführlichen Blick auf „Let All That We Imagine Be The Light“, dem Nachfolger des überragenden „No God No Masters“ von 2021.

„Als ich mit der Aufnahme dieser Platte begann, war ich entschlossen, eine hoffnungsvollere, erhebendere Welt zu finden, in die ich eintauchen konnte. Der Titel des Albums "Let All That We Imagine Be The Light" beschreibt die Platte perfekt. Wenn alles dunkel scheint, wird es zwingend nötig, nach den hellen, positiven und schönen Kräften der Welt zu suchen. Es fühlt sich fast an wie eine Frage von Leben und Tod – eine Überlebensstrategie“, erklärt Shirley Manson den Ansatz für das neue Album. Falls sich Euch nun eine Form von Schockstarre breitmachen sollte aus der Befürchtung heraus, Garbage könnten den gewohnten Pfad verlassen haben und jetzt nur noch einlullende Fahrstuhlmusik machen – ich darf Euch beruhigen. Shiny happy people gibt es woanders, hier jedoch nicht.

Noch immer besteht die Mucke von Garbage aus breitwandigem Gitarrengeschmetter, jeder Menge (dieses Mal vorwiegend) analoger Synthesizerflächen, vielen kleinen Details, die sich nicht nach dem ersten Hördurchgang offenbaren, auch nach dem zweiten nicht, druckvollen Drums – und natürlich schwebt auch dieses Mal wieder die einmal mehr losgelöst von allem Irdischen wirkenden Stimme von Shirley Manson. Die Songs wirken oft zunächst so düster, wie es angesichts der Weltlage angemessen erscheint, nur um dann einem Silberstreifen am Horizont gleich, bisschen Optimismus in die Welt hinauszutragen. Eben so, wie es Shirley zuvor erklärt hat.

Sie fügt übrigens hinzu: „Unser letztes Album war extrem geradeheraus. Es entstand aus Frustration und Empörung - es hatte eine Art verbrannte Erde, eine angepisste Atmosphäre. Bei dieser neuen Platte fühlte ich jedoch den Zwang, eine andere Form von Energie zu finden. Eine konstruktivere Energie. Ich hatte diese Vision von uns, dass wir mit Suchscheinwerfern aus dem Untergrund auftauchen und in die Zukunft aufbrechen. Auf der Suche nach Leben, auf der Suche nach Liebe, auf der Suche nach all den guten Dingen in der Welt, die im Moment so dünn gesät scheinen. Das war für mich der Leitgedanke bei der Entstehung dieses Albums - dass es in dunklen Zeiten am besten ist, nach dem Licht zu suchen, nach dem, was sich liebevoll und gut anfühlt. Als ich jung war, neigte ich dazu, Dinge zu zerstören. Jetzt, wo ich älter bin, glaube ich, dass es außerordentlich wichtig ist, etwas aufzubauen und zu erschaffen. Ich hänge immer noch sehr alten romantischen Idealen von Gemeinschaft, Gesellschaft und der Welt nach. Ich möchte nicht durch die Welt gehen und Chaos verbreiten, das Land oder Menschen verletzen. Ich möchte Gutes tun. Ich möchte keinen Schaden anrichten.“

Ach, hätten doch bloß noch viel mehr Menschen dieser Welt diese Einstellung.

Butch Vig ergänzt: „Wir haben auf dem Album viele analoge Synthesizer und Sounddesigns verwendet, da sie zu der dystopischen Stimmung passten, die wir erlebten. Wir haben das Album mit einem leeren Blatt begonnen, obwohl es angesichts der Ereignisse in den USA und dem Rest der Welt unvermeidlich ist, dass der Wahnsinn in die Songs eindringt. Aber wir wollten auf jeden Fall, dass die Platte etwas Hoffnung, etwas Licht enthält, um das Gefühl zu vermitteln, dass die Menschen Macht haben.“

„There Is No Future In Optimism“ heißt das erste Stück und ist quasi der Weckruf dieser Platte und des damit verbundenen Anliegens: „Ich wollte unbedingt, dass dieser Song das Album eröffnet“, erklärt Shirley Manson, „es beginnt mit einem hymnischen Aufruf zu den Waffen, einem Schlachtruf. Es ist sozusagen ein Kampfruf an alle Gleichgesinnten. Wenn ihr daran interessiert seid, dieser Welt mit Liebe zu begegnen, wenn ihr bereit seid, in Sanftheit zu investieren und nicht in Gewalt oder Hass, dann sind wir auf eurer Seite. Schließ dich uns an.

Ich muss daran glauben, dass Musik und Kunst die Kultur immer noch beeinflussen können. Ich weiß, dass sie immer noch Einfluss auf mich hat – diese geheimnisvolle Kraft, die keine Regierung der Welt für sich beanspruchen oder kaufen kann. Große Musik existiert in gewisser Weise nur in ihrem eigenen Mikrokosmos – ohne jegliche Einmischung oder korrumpierende Einflüsse. Das macht sie immer so rein und wertvoll. Auch wenn all die Zeichen in unserer Gesellschaft etwas anderes behaupten, habe ich das Gefühl, dass Musik immer noch die Macht hat, Atome zu bewegen, das Denken und Positionen zu verändern.“

Neben der wirklich herausragenden musikalischen Ausgestaltung ist dies auch ein (weiterer) Beleg dafür, wie sehr Garbage allein aus den Texten heraus Stimmungen erzeugen und Bilder auf die Leinwand im Kopf projizieren können. Ein Beispiel aus den Lyrics des Textes:

The night is dark and full of terror
The air is thick with helicopters
People marching, cops are swarming
The city’s on fire and the sirens are screaming

Hat nicht Butch Vig irgendwas von dystopisch erzählt? Das hier entspräche wohl der Definition davon.

Aber nun ist nicht alles der Gesamtbetrachtung der Welt untergeordnet; einstweilen geht es auch um das Älterwerden. „Chinese Fire Horses“ thematisiert den Fakt, dass Shirley mit inzwischen ganz großen Schritten auf die 60 zugeht:

Hell really hath no fury like a Chinese Fire Horse
With a 1966 birthday
A sign not to be crossed
You think I’m too ambitious
You’re so dumb it makes me cry
Recollections on this vary
But the truth is on my side
I’m not dead
I’m NOT DONE

Falls es auch nur eines einzigen Belegs bedurft hätte, dass die Frau nach wie vor on fire ist - besagte Nummer wäre einer. Mit Nachdruck. Ein bisschen lässt sich das Lied auch wie eine Abrechnung mit einem Showbiz verstehen, in dem man als Frau vor allem jung und schön sein sollte, um Erfolg zu haben. Um etwas bewegen zu können. Vermarktet zu werden. Airplay zu bekommen. Und so weiter. Ich möchte an dieser Stelle gerne aus einem Lied von Taylor Swift zitieren: Fuck the patriarchy. Das Musikgeschäft ist nach wie vor männlich dominiert. Ein Beispiel dazu: Die FACTS-Studie des Netzwerks female:pressure analysierte zwischen 2012 und 2023 die Line-ups von über 1.000 Festival-Ausgaben in 50 Ländern. Dabei stieg der Anteil weiblicher Acts von 9,2 % im Jahr 2012 auf 29,8 % in den Jahren 2022/2023. Nichtbinäre Künstler*innen machten zuletzt etwa 2,5 % aus, während männliche Acts mit 58,4 % weiterhin die Mehrheit stellten. In den Führungsetagen wird es wohl nicht anders aussehen. Da kann man als Frau im fortgeschrittenen Alter sicher aus verschiedenen Gründen die Krallen ausfahren, so wie hier geschehen.

Und wie das sein kann, dass Frau Manson schon auf die 60 zugeht - fragt mich doch nicht! Gefühlt sind Garbage gerade eben erst mit „Milk“ an den Start gegangen. Aber scheinbar ist der ewige Crush auf Frau Manson inzwischen auch schon bald 30 Jahre alt. Jetzt dürft Ihr mal raten, welches mein nächster Geburtstag ist.

Zurück zum Thema: Einer der stärksten Songs dieses Albums ist, wie so in der über 30-jährigen Geschichte von Garbage, der finale. „The Day I Met God“ heißt das Ding und ist schwer und bittersüß und von einer solch emotionalen Wucht, dass es mir die Schuhe auszieht! Und wie so oft bietet gerade auch dieser Song viel Raum für Interpretationen. Shirley singt:

My life fell apart the day that I met GOD

 TRAMADOL
TRAMADOL

I found GOD in TRAMADOL

Tramadol ist ein Schmerzmittel. Nicht einfach nur einfache Kopfschmerztablette, sondern Tramadol wird verwendet nach Operationen, bei Verletzungen oder bei chronischen Schmerzen wie Arthrose oder Rückenproblemen. Also quasi bei der Sorte Schmerz, die richtig reinkickt. Tramadol bindet an Opioid-Rezeptoren (wie Morphin, aber schwächer) und blockiert so die Schmerzsignale im zentralen Nervensystem. Und es beeinflusst zusätzlich die Serotonin- und Noradrenalin-Wiederaufnahme, ähnlich wie bestimmte Antidepressiva. Es kann angstlösend und euphorisierend wirken.

Und damit kommen wir zur Königsfrage: Teilt Shirley Manson hier eine Sucht nach Schmerzmitteln mit uns? Ist das wieder ein Bezug auf das Älterwerden (hey, die Frau könnte fast meine Mutter sein!) und den damit langsam aber stetig einsetzenden, körperlichen Verfall, der zunehmend den Einsatz von Schmerzmitteln erfordert, damit man die müden Knochen überhaupt noch in Bewegung bekommt?

Oder ist das vielleicht gar eine Metapher, dass der Schmerz, den man als emphatischer Mensch beim Betrachten des Zustands der Welt empfindet, nur noch betäubt erträgt? Ist diese vermeintlich religiöse Anspielung ein Sinnbild für innere Leere, geplatzte Hoffnungen und dafür, dass diese Leere nur noch mit wie auch immer gearteten Rauschmitteln ertragen lässt? Vielleicht aber steht es auch für einen Weg, den Shirley gefunden hat, um mit ihren Depressionen und dem Selbsthass, der sie zumindest in ihren jungen Jahren begleitete, umzugehen? Medikamente wären ja nicht das erste Mal Thema in einem Song von Garbage; ich denke hier beispielsweise an „Medication“ von 1998er-Album „Version 2.0“.

Wie gesagt, Möglichkeiten auf dem Inhalt herumzudenken, gibt es zahlreiche in dieser gleichzeitig von knarziger wie auch verspielter Electronica  getragenen, ziemlich düsteren Nummer reichlich. Gilt übrigens für fast alle Songs dieses Albums. In dem Moment, wenn die Drums ansetzen und die düsteren Synthieflächen ins Ohr wabern, möchte man resigniert aufgeben. Die leichteren, vorwiegend vom Klavier begleiteten kleinen Ausbrecher machen es nicht besser. Nein, es ist gewiss nicht die am leichtesten zu verdauende Nummer von Garbage.

Falls Ihr selbst aber auch gerne einfach Shirleys tatsächliche Gedankengänge zu dem Track wissen wollt – bitte sehr, kriegen wir hin. Sie erklärt zu dem Track nämlich Folgendes: „Das ist das Opus der Platte und erforscht das große Thema der großen Liebe, etwas, worüber ich bisher nicht sehr viel geschrieben habe. Die Idee kam mir, als ich mich von einer großen Operation erholte und mich ungeschützt, verletzlich und verängstigt fühlte. Ich stand zum ersten Mal nach einer Operation auf dem Laufband, als ich plötzlich dieses kraftvolle Gefühl von heilender Liebe um mich herum spürte – ein Moment, der mich ermutigte. Es holte mich aus etwas heraus, das sich wie die Hölle angefühlt hatte. Die Stimme, die man hört, ist das Schreib-Demo, der erste Take. Nur ich, auf der Bettkante sitzend, in meiner Genesung, sang in ein Handmikrofon. Ich habe mich so verletzlich gefühlt, und ich glaube, das verleiht dem Song zusätzliche Ergriffenheit. Es ist wirklich ein Lied über die Sterblichkeit, aber es ist auch ein Ausdruck von Dankbarkeit. Dankbarkeit für das Älterwerden, Dankbarkeit für die Langlebigkeit unserer Band, für gute Gesundheit, für das große Mysterium und für das andauernde, kreative Abenteuer des Lebens.“

Da kommt mir doch spontan „The Trick Is To Keep Breathing“ in den Sinn, ebenfalls vom zweiten Album. Dort erklärte die Sängerin nämlich noch:

She's not the kind of girl
Who likes to tell the world
About the way she feels about herself.

Dafür erzählt sie auf in diesem Song, überhaupt auf diesem ganzen Album, erstaunlich viel. Ich würde behaupten wollen, persönlicher waren Garbage noch nie als hier. Aber besser? Das Urteil wird wohl die Zeit rückblickend fällen, denke ich. Ein unfassbar guter neuer Eintrag in die Diskografie der Band ist „Let All That We Image Be The Light“ aber allemal. Und ich wäre nicht im Mindesten überrascht, wenn dieses Kleinod hier und dort zum neuen Lieblingsalbum gereichte.

Ich war überrascht, wie elektronisch dieses neue Album um die Ecke kommt. Nicht, dass wir uns falsch verstehen: wie schon weiter oben im Text erwähnt, machen Garbage auch im Jahr 2025 noch alternative Rockmusik, die sich gewaschen hat. Und doch erscheint mir das neue Werk mit viel mehr Elektronik durchzogen zu sein, als es bisher je der Fall war. Ich komme nicht umhin festzustellen, dass es so, in dieser Form dargeboten, eine unwiderstehliche Mischung ist. Es erhöht die Eingängigkeit, manchmal den „Groovy!“-Faktor gar, um einiges, ohne dass dabei der stets leicht verschrobene, knarzige Grunge-Charakter des Sounds verloren ginge. Das kann (und wird wohl) auf einem vorstellbaren nächsten Album wieder ganz anders aussehen. In Bezug auf dieses Album lässt sich aber festhalten: Die Band hat den Staub aus dem Scheitel ihrer Mucke geklopft und wirkt frisch, dynamisch und spielfreudig, als würden sie gerade erst an den Start gehen und sich beweisen wollen. Oder anders: Die Menschen hinter der Band mögen altern, ihre Musik jedoch ist in einen Jungbrunnen gefallen.

Beinahe ist es sogar auch so, als würden sie die Herangehensweise, ihr Leitmotiv für dieses Album, mit aller Macht auf dessen Hörerschaft übertragen wollen. Und was soll ich Euch abschließend noch groß sagen, außer: Es funktioniert! Garbages „Let All That We Imagine Be The Light“ kann genau das (musikalische) Licht in der Dunkelheit (der Welt) sein, das Du gerade brauchst. Und ein verdammt gutes Album ist es darüber hinaus auch noch. Ich ziehe meinen Hut.

For a brief moment, I considered starting this review of Garbage’s eighth studio album—the beautifully unwieldy titled Let All That We Imagine Be Light—with a commentary on the state of the world.
But really, anyone paying the slightest attention already knows:
The house we all live in is on fire.

Floods here, wars there, allies slipping into autocracy at alarming speed (did someone say fascism?)—I wouldn't even know where to begin. Suffice it to say, it's more than enough to make hope and your spirit crash down hard.

If it’s any consolation—artists and musicians feel the same way.
Everything happening around us leaves its mark, including on Shirley Manson and her Garbage bandmates.

You could respond to this darkness by sticking your head in the sand, pretending not to see it, or falling into fatalism and depression. You could—but it wouldn’t help. It would be a choice, though.

Or—you could do what Garbage have done:
Clench your fists, brace yourself, and still find reasons to believe in the good, to keep the fire burning.

Maybe that spark can still catch somewhere else. And so, let’s take a closer, deeper look at Let All That We Imagine Be Light, the much-anticipated follow-up to 2021’s outstanding No Gods No Masters.

Shirley Manson explains the album’s intent:

“When I started recording this album, I was determined to find a more hopeful, uplifting world to dive into. The title 'Let All That We Imagine Be The Light' perfectly sums up the record.
When everything feels dark, it becomes imperative to seek out the bright, positive, and beautiful forces of the world.
It feels almost like a matter of life and death—a survival strategy.”

If you’re worried Garbage might have abandoned their edge and gone full "shiny happy people"—rest easy.
That’s not happening here.

The music is still unmistakably Garbage:
Broad, crushing guitars. Lush, mostly analog synth layers. A thousand tiny details that won’t reveal themselves on the first listen—or even the second. Powerful, commanding drums. And, as always, Shirley Manson’s voice, floating somewhere above the earthbound chaos.

The songs often start dark, as if echoing the world’s current state—but they allow tiny silver linings to break through. Exactly as Shirley described.

She adds:

*“Our last album was extremely direct—born out of frustration and anger. It had this scorched earth, pissed-off energy.

But for this new record, I felt compelled to find a different kind of energy—a constructive one.

I had this vision of us emerging from underground with searchlights, heading into the future. Searching for life, searching for love, searching for all the good things that seem so rare these days.

When I was younger, I tended to destroy things.
Now, as I’m older, I believe it’s crucial to build, to create.

I still cling to old romantic ideals of community, society, the world.
I don't want to go around causing chaos anymore. I want to do good. I don’t want to cause harm.”*

Oh, if only more people shared that mindset.

Butch Vig adds:

*“We used a lot of analog synths and sound designs on this album, because it fit the dystopian atmosphere we were living through.

We started with a blank slate, though of course, the madness of the world inevitably seeped into the songs.

But we still wanted the record to carry hope—to remind people they have power.”*

The opening track, “There Is No Future In Optimism,” is the album’s rallying cry.
Shirley says:

*“I desperately wanted this song to kick off the record—it’s a hymn, a call to arms, a battle cry for like-minded souls.

If you're interested in approaching the world with love, if you're ready to invest in gentleness instead of violence or hatred—we’re on your side.

Join us.”*

Music and art, she insists, still have the power to change culture—to move atoms, change minds, stir hearts.
Even if society’s symptoms suggest otherwise.

Besides the incredible production, Garbage once again prove their mastery at projecting vivid emotions and cinematic imagery through lyrics alone.
Take this excerpt from “There Is No Future In Optimism”:

The night is dark and full of terror
The air is thick with helicopters
People marching, cops are swarming
The city’s on fire and the sirens are screaming

(And yes—Butch Vig definitely wasn’t kidding when he said the mood here is dystopian.)

The album also reflects on aging. In “Chinese Fire Horses,” Shirley tackles the reality of approaching 60 head-on:

Hell really hath no fury like a Chinese Fire Horse
With a 1966 birthday
A sign not to be crossed
I’m not dead
I’m NOT DONE

If there were ever a proof that Shirley Manson is still on fire—this is it. It’s part battle cry, part middle finger to an industry that’s still obsessed with youth.

(Quick sidenote: shoutout to Taylor Swift: “Fuck the patriarchy.”)

And speaking of powerful statements: the album’s closer, “The Day I Met God,” might just be one of the strongest songs Garbage have ever recorded.

It’s heavy.
Bittersweet.
Emotionally devastating.

Shirley sings:

My life fell apart the day that I met GOD
TRAMADOL
TRAMADOL
I found GOD in TRAMADOL

For context: Tramadol is a potent painkiller—stronger than your average headache remedy.
It binds to opioid receptors, dulls pain, influences serotonin and norepinephrine levels—essentially, it can be both numbing and euphoric.

So what’s the meaning behind the lyrics?

• Is Shirley confessing to a battle with physical pain—and possibly addiction?

• Is it a metaphor for coping with the emotional pain of a collapsing world?

• A reflection on mortality and recovery?

Turns out: it’s all about healing.
Shirley explains:

*“This is the album’s opus, exploring the idea of great love.

I wrote it while recovering from major surgery—feeling fragile and terrified. Sitting on the edge of my bed, singing into a handheld mic, I recorded the first and only take.

It's about mortality, but also about gratitude. Gratitude for aging, for longevity, for our band’s survival, for good health, and for life’s ongoing creative journey.”*

Honestly, it reminds me so much of the deep vulnerability found in Garbage’s “The Trick Is to Keep Breathing.”

In the end: Let All That We Imagine Be Light is not just another album.
It’s a triumph.

A bold, vulnerable, fiercely alive entry in Garbage’s discography.
It’s fresh.
It’s fierce.
It’s full of fight—and full of heart.

If you’re looking for light in the darkness: This album could be it.

And musically?
Garbage has never sounded better.
They feel reborn—energetic, daring, unafraid to evolve without losing what made them iconic.

I tip my hat.

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An aufregenden Storys rund um die freundliche Spinne aus der Nachbarschaft mangelt es wahrlich nicht. Allein in den letzten rund anderthalb Jahren, die ich an dieser Stelle (wieder) Comics vorstelle, waren einige Hochkaräter dabei. Aber wenn ich ehrlich bin: am besten gefallen mir nach wie vor die Geschichten, die einfach nur klassische Spidey-Action bieten. Mit einem Peter Parker, der mit seinem Doppelleben struggelt, mit einer Tante May, die vom Treiben ihres Neffens keine Ahnung hat, mit all den fiesen Bösewichten, die dem Netzkopf das Leben schwer machen. Und davon gibt es auch im zweiten Paperback von „Spider-Man“, von Panini mit dem Untertitel „Die Rückkehr der Sinister Six“ bedacht, jeweils mehr als genug. Ein Must-Read für Fans besagter klassischer Spidey-Action, so viel darf ich schon an dieser Stelle festhalten!

Irgendwann in grauer Vorzeit bekam es unser Wandkrabbler mal mit einer bösen KI names Living Brain zu tun. Dessen Nachfolgesystem ist nun am Start, um Spider-Man erneut das Leben zur Hölle zu machen. Living Brain treibt dabei nämlich die Frage um: Wer ist Spider-Man? Und dabei geht es ihm mitnichten darum zu erfahren, welche Person sich hinter der Maske verbirgt. Es ist ein sehr viel philosophischerer, man könnte schon bald sagen: deeperer Ansatz, den Living Brain hier verfolgt. Was insofern konsequent ist, schließlich feierte man nach Marvels Legacy-Zählweise bereits die 900. Ausgabe mit dem Netzkopf. Um diese Frage für sich zufriedenstellend zu beantworten, lässt Living Brain die Sinister Six auf Spider-Man los. Dank einer künstlichen Schöpfung namens Adaptoid buchstäblich in Personalunion.

In einer weiteren Story dieses Bandes sieht sich Peter Parker erneut mit Vulture konfrontiert, der auch ordentlich austeilt. Zur Hilfe kommt ihm in diesem Fall ein Anzug, den ausgerechnet Norman Osborn geschaffen hat. Vom Sin Eater von seinen früheren Sünden befreit, sieht er sich nun als Freund des Wandkrabblers und nicht mehr als dessen Erzfeind.

Abgerundet wird dieser Sammelband durch ein paar Kurzgeschichten. In einer ist Spider-Man sogar zu Gast in der Talkshow von Jimmy Kimmel …

Hach, was für ein unterhaltsames Stück Comic rund um die freundliche Spinne aus der Nachbarschaft! Die vor allem von John Romita Jr. stammenden Zeichnungen sprühen förmlich vor Lebendigkeit und bieten genau das Maß an ausdrucksvoller Mimik, mitreißender Action, dynamischen Posen und einem angenehm hohen Detailgrad, die ich bei einem „Spider-Man“-Comic erwarte. Auch die meisten der inkludierten Kurzgeschichten dieses Sammelbandes bieten Bilder auf Top-Niveau! Und der kurze Ausflug in die Talkshow von Jimmy Kimmel ist die Kirsche auf rund 130 Seiten Sahnetortencomic.

Keine der hier versammelten Geschichten schlägt eine Delle in das Universum von Spider-Man. Müssen sie auch gar nicht. Wer, wie ich, Fan von den klassischen Erzählungen ist, in denen es vorwiegend um Peter Parkers kleine Welt geht und nicht darum, irgendwelche multiversalen Abenteuer zu erleben, kommt auch an diesem Paperback nicht vorbei. Ich für meinen Teil hätte gerne noch mehr davon!

There’s certainly no shortage of thrilling stories about everyone’s favorite friendly neighborhood Spider-Man. Just over the last year and a half that I’ve been reviewing comics here again, we’ve had some real heavy-hitters.

But if I’m being honest? What I still enjoy most are the stories that offer good, old-fashioned classic Spidey action.

I’m talking about Peter Parker juggling his double life.
Aunt May, blissfully unaware of what her nephew’s really up to.
And villains—lots of them—making our wall-crawler’s life a living hell.

And that’s exactly what you’ll get—in spades—in the second collected volume of Spider-Man, released by Panini Comics under the subtitle “The Return of the Sinister Six.”
Let’s just say this up front: If you’re into classic Spidey storytelling, this one’s a must-read.

Way back in the day, our friendly webhead had a run-in with an evil AI known as Living Brain.
Well, guess what? Its upgraded successor is back—and it’s here to ruin Spider-Man’s day all over again.

This time, the Living Brain is obsessed with answering a single question:
Who is Spider-Man?
But not in the usual “let’s unmask him” sense.
No—it’s a much deeper, more philosophical question.
Which is fitting, considering we’ve hit issue #900 in Marvel’s legacy numbering for the character.

In pursuit of this answer, Living Brain unleashes the Sinister Six—or rather, a twisted hybrid version of them, brought to life through an artificial creation called the Adaptoid, who combines the abilities of all six villains into one form. Let’s just say: things get messy.

In another story from this volume, Peter finds himself facing off against Vulture once again—and the old guy hits hard. Luckily, Peter has some unexpected help: a new suit crafted by none other than Norman Osborn.
Yes, that Norman Osborn.

Apparently freed from his past sins by Sin Eater, Osborn now sees himself as a friend to Spidey—not a mortal enemy.
(Yeah… we’ll see how long that lasts.)

The collection wraps up with a handful of shorter stories—including one where Spider-Man drops in on Jimmy Kimmel’s talk show.
Because why not?

Sigh. What a fun, wildly entertaining piece of comic book joy this was.

The art, largely by John Romita Jr., bursts with energy—just the way I want a Spider-Man comic to look.
Expressive faces, snappy action sequences, dynamic poses, and plenty of visual detail—check, check, check, and check.

Even most of the short stories in the back of the volume are visual treats.
And that quick cameo on Kimmel? Definitely the cherry on this 130-page slice of Spider-cake.

None of the stories here are going to shake up the Spider-Man universe.
But you know what?
They don’t have to.

If you, like me, prefer the kind of stories that stay grounded in Peter Parker’s personal life, rather than chasing multiversal madness, this is the kind of paperback you can’t skip.
And honestly?

I’d love a whole lot more of this, please.

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Taten sagen mehr als tausend Worte. So oder ähnlich scheint das Motto der hitzköpfigen jungen Padawan Ahsoka Tano zu sein, die während der Klonkriege lieber mit dem Lichtschwert argumentiert anstatt mit Worten. Aber als angehende Jedi muss auch Ahsoka lernen, dass ein Wort manchmal mächtiger ist als ein Schwert. Und somit hätten wir die Rahmenhandlung von „Star Wars: Ahsoka - Taloraans Windräuber“ schon mal kurz umrissen.

Die Story stammt erneut aus der Feder von Henry Gilroy, für die Bilder sind erneut Ramon Perez bzw. Scott Hepburn verantwortlich. Sie werfen Ahsoka, Anakin Skywalker sowie Obi-Wan Kenobi in ein Abenteuer, in welchem die drei Jedi wichtige Verträge für die Republik aushandeln sollen. Der erste Versuch geht krachend schief. Ahsoka, als mit der Gabe der Macht Gesegnete, merkt natürlich schnell, dass die Unterhändler auf der ersten diplomatischen Mission, auf die sie geschickt wird, lügen. In Dingen Diplomatie gänzlich unerfahren weiß sie aber nicht, dass das durchaus zum Handwerkszeug gehören kann. Man reist mit unbefriedigenden Ergebnissen ab.

Beim zweiten Versuch auf Talooran hat Ahsoka ihre Impulse besser unter Kontrolle. Zumindest bis zu dem Moment an dem sie feststellt, dass diplomatisches Lügen nicht die einzige Sache ist, die auf Talooran irgendwie faul ist. Also beginnt sie, ganz so wie man Ahsoka eben kennt, eigene Nachforschungen anzustellen. Was sie, wenig überraschend, wieder in Situationen führt, in denen am Ende eben doch nur noch der Einsatz eines Lichtschwerts helfen kann …

Und auch dieser Band, der sich den Abenteuern der jungen Ahsoka widmet, ist wieder sehr solide „Clone Wars“-Action. Die Handlung ist soweit schlüssig, unterhaltsam und, wenn auch wie immer mit vorhersehbarem Ausgang, durchaus auch spannend. Die Zeichnungen sind erneut okay.  Sie greifen den Stil der Animationsserie auf, könnten für meinen Geschmack aber etwas lebhafter, etwas dynamischer sein.

Lange Rede, kurzer Sinn: Wer sich für die Erzählungen rund um die Klonkriege begeistern kann, noch dazu in Tateinheit mit einer Affinität für Ahsoka Tano, bekommt hier für 14 Euro rund 100 Seiten weiterer Klonkriegsaction, die man als Fan durchaus in der Sammlung haben kann.

Actions speak louder than words.
Or something like that seems to be the motto of hot-headed young Padawan Ahsoka Tano, who—during the Clone Wars—tends to let her lightsaber do the talking.

But as a Jedi-in-training, Ahsoka still has to learn that sometimes a word can be more powerful than a blade.
And that pretty much sets the stage for Star Wars: Ahsoka – Taloraan’s Wind Raiders.

The story once again comes from Henry Gilroy, with artwork by Ramon Perez and Scott Hepburn. This time, Ahsoka joins Anakin Skywalker and Obi-Wan Kenobi on a mission to negotiate important treaties on behalf of the Republic.

Their first attempt?
A total disaster.

Ahsoka, blessed with a strong connection to the Force, quickly senses that the envoys on this first diplomatic outing are lying.
But—being new to the whole diplomacy thing—she doesn’t yet know that a bit of deception is sometimes just part of the game.
The team leaves with less-than-stellar results.

Round two takes them to Taloraan, where Ahsoka has a better grip on her impulses—at least until she realizes that lying diplomats are far from the only thing rotten on this planet. So naturally, being the Ahsoka we all know and love, she starts digging.

And yes—unsurprisingly—her investigation leads to situations where, in the end, a lightsaber is once again the only option left.

Once again, this volume offers solid Clone Wars action with a focus on young Ahsoka’s journey.
The story holds together well—it’s entertaining, and even if the ending is fairly predictable (as usual), it still delivers some tension along the way.

The artwork is… fine.
It stays true to the Clone Wars animation style, though personally, I’d prefer it a bit more dynamic and expressive in places.

Bottom line:
If you’re into stories from the Clone Wars era—especially if you have a soft spot for Ahsoka Tano—you’ll get a solid 100 pages of action here for around €14.

And yes, it’s definitely a worthy addition to any fan’s collection.

Wer seinen Hunger nach Panini Comics mit den monatlich erscheinenden Heftchen deckt, ist - sofern DC auf dem Speiseplan steht - schon mittendrin im aktuellen Event „Absolute Power“. Im Mittelpunkt dieses Ereignisses, das sich wie üblich durch verschiedene Serien zieht und viele Figuren des Verlags beinhaltet, steht die mehr als zwielichtige Amanda Waller. Die Vorgeschichte dazu liefert nun der Band „Suicide Squad: Dream-Team“.

Die größte Besonderheit dieses Comics dürfte wohl sein, dass die Story (auch) aus der Feder von Nicole Maines stammt. Maines spielte die Figur Dreamer in der „Supergirl“-TV-Serie. Dreamer ist auch Mittelpunkt dieses Comics. Was es sonst noch zu erzählen gibt, darauf komme ich nun zu sprechen.

Dreamer lässt sich von Waller quasi vor den Karren spannen, um eine Task Force X anzuführen. Dieses weitgehend aus der B-Liga des Suicide Squad bestehende Team umfasst Harley Quinn, Bizarro, Deadeye, Clock King und Black Alice. Ihr Auftrag: Sie sollen in den gleichermaßen fiktiven wie politisch instabilen Staat Gamorra einfallen. Gamorra verfügt über diverse waffentechnische Spielzeuge, die zur Gefahr für die restliche Welt werden könnten und das möchte Amanda Waller verhindern. Zwinkizwonki, natürlich hat die Frau andere Absichten.

Allerdings kann man nicht einfach ein Boot, ein Flugzeug, die Bahn oder einen Bus besteigen, um nach Gamorra zu gurken. Denn: Der Inselstaat verbirgt sich hinter einem undurchdringlichen Schild. Wie also dort hineingelangen? Da kommt Dreamer ins Spiel: Sie führt ihre Gang durch das Reich der Träume, um via der Träume eines Menschen aus Gamorra ebendort aufzutauchen. Wie das logisch funktionieren soll, fragt mich bitte nicht. Aber hey, es ist ein Comic aus dem Superhelden-Genre, da geht schließlich alles! Natürlich hat das Folgen, irgendwann stehen sich Dreamer und das Suicide Squad gegenüber und auch Wallers Ambitionen sind eigentlich ganz andere…

Ein bisschen hatte ich fast erwartet, dass auch noch Dream bzw. Morpheus aus Neil Gaimans „Sandman“ in dieser Traumwelt auftaucht. Schließlich ist das Reich der Träume doch genau seine Spielwiese. Der fehlt aber genauso wie auch eine schlüssige, irgendwie greifbare, irgendwie nachvollziehbare Erklärung, wie Dreamer und der Rest der Bande via Traumreise nach Gamorra gelangten. Man muss es einfach so hinnehmen, dass es geht - und dass es Träumende mitunter das Leben kostet, wenn so ein paar Heinis aus den eigenen Träumen in die Wirklichkeit übertreten.

Der Auftakt zu „Absolute Power“ ist dennoch durchaus unterhaltsam, zumal Amanda Waller auch wirklich eine sehr unangenehme Person ist, die vielleicht, irgendwie sogar im Wesen ihres Kerns das Richtige erreichen möchte. Nur eben, wie schon viele andere vor ihr (ich denke da beispielsweise an die Authority), mit mehr als fragwürdigen Mitteln und zweifelhafter Moral. Die Zeichnungen sind auch in Ordnung. Sicher nicht der schönste Comic, den ich je gesehen habe und gewiss auch nicht der mit den spannendsten Details, der größten Dynamik oder tollsten Posen. Passt aber dennoch und rahmt die Handlung gut ein.

Ob man diese Vorgeschichte zu „Absolute Power“ allerdings haben muss, hängt wohl vor allem davon ab, wie sehr man persönlich jenem Event zugetan ist. Wenn einen die eigentliche Storyline nicht kickt, dann wird auch dieses Prequel nichts reißen. Ist man allerdings Fan der Machenschaften von Amanda Waller, dann kann man „Suicide Squad: Dream-Team“ gerne mal mitnehmen.

If you’ve been keeping up with Panini Comics’ monthly releases—and DC is on your menu—then you’re already right in the middle of the current event: Absolute Power. Like most big comic events, it spans multiple titles and involves a wide range of characters. At the heart of it all: the ever-scheming, morally murky Amanda Waller.

The backstory for all of this? That comes courtesy of Suicide Squad: Dream Team.

What makes this comic stand out is the fact that it’s co-written by Nicole Maines—who portrayed Dreamer in the Supergirl TV series. And sure enough, Dreamer takes center stage in this book.
Let’s talk about what else is going on here.

Dreamer ends up roped into Waller’s latest scheme, tasked with leading a new version of Task Force X. This team, mostly made up of Suicide Squad’s B-tier lineup, includes Harley Quinn, Bizarro, Deadeye, Clock King, and Black Alice.

Their mission? Invade the fictional, politically unstable country of Gamorra. The reason: Gamorra is sitting on a pile of deadly weapons tech that could pose a threat to the rest of the world—and Amanda Waller wants to stop that.
Wink wink. Of course, Waller has other plans.

Getting into Gamorra isn’t as easy as hopping on a plane, boat, or train. Why? Because the island nation is hidden behind an impenetrable shield. So… how do you break in?

That’s where Dreamer comes in.
She leads the squad through the dream realm, using the dreams of a Gamorran citizen as a gateway to physically materialize inside the country.

How exactly that works? Don’t ask me.
But hey—it’s a superhero comic.
If it sounds weird, it’s probably canon.

Naturally, all of this comes with consequences. At some point, Dreamer and her dream-traveling squad find themselves at odds, and Waller’s true intentions slowly come to light.

Part of me was half-expecting Dream—yes, Morpheus from Neil Gaiman’s Sandman—to pop up somewhere in this dreamy dimension. I mean, it is his playground, after all. But nope—he’s MIA. Just like any solid, coherent explanation of how Dreamer and the gang manage to dream-walk into Gamorra.

You just kind of have to accept that it works.
And also that sometimes, dreamers die when random strangers walk out of their subconscious into the real world.

Still, as an opener to Absolute Power, this is a decently entertaining ride.
Amanda Waller remains a thoroughly unpleasant human being—but one who, maybe, just maybe, is aiming for something noble deep down. She’s the kind of character who wants to achieve the right outcome—just through wildly questionable methods and with a complete disregard for moral boundaries. (Reminds me a bit of The Authority, if we’re being honest.)

The artwork? It’s fine. Not the most stunning comic I’ve ever seen, not the most dynamic layouts or detailed panels, but it gets the job done and frames the action well enough.

Whether or not you need this prequel to Absolute Power really depends on how invested you are in the event itself. If you’re not particularly hyped about the main storyline, this one won’t change your mind.
But if you’re a fan of Amanda Waller’s manipulations and mayhem, then Suicide Squad: Dream Team might just be worth picking up.

Da ich in den letzten Wochen wenig Zeit dafür hatte, mich hier mit Musik zu beschäftigen, gehöre ich wohl eindeutig zu den letzten Spatzen, die es von den Dächern pfeifen. Dennoch ich pfeife nun mit: „Construct“ heißt das neue Album von VNV Nation, das am 9. Mai 2025 erscheinen wird. Eine, wie es heißt, „optimistischen Mischung aus Klanglandschaften, Melodien und emotionaler Tiefe“. Irgendwann später in diesem Jahr wird ein Schwesteralbum folgen, konsequenterweise „Deconstruct“ genannt. Dann allerdings mit einem deutlich düstereren Touch wohl.

Ronan Harris, der Mann hinter VNV Nation, hat passend zum Osterfeste eine zweite Vorab-Single veröffentlicht: „Station 21“. Und wenn man eine Idee bekommen möchte davon, wie sich diese oben genannte Mischung wohl anhören mag, wird mit diesem Track wohl bestens bedient. Es ist eine dieser typischen Hymnen aus dem Hause VNV Nation, die auf Konzerten die Stimmung in nochmals höhere Sphären steigen lassen. Eine dieser Hymnen, deren Refrain man schon beim ersten Hören zumindest mitsummen kann. Besucher*innen der jüngsten Tour wurde diese Nummer auch schon live vorgestellt und entwickelte sich der Überlieferung nach direkt zu einem echten Gassenhauer.

Ich muss sagen, nach „Silence Speaks“ und nun „Station 21“ blicke ich sehr optimistisch der Veröffentlichung des neuen Albums entgegen. Nachdem „Noire“ und „Electric Sun“ vergleichsweise düster ausgefallen sind, können wir - nicht zuletzt angesichts der aktuellen Weltlage - ein bisschen musikalischen Optimismus sicher gut gebrauchen, denke ich. Jedenfalls so lange, bis „Deconstruct“ uns wohl auf den Boden der Tatsachen zurückholen wird.

Lange Rede, kurzer Sinn: Ich hab Bock und es kann direkt auch losgehen jetzt mit „Construct“. 

Since I haven’t had much time to focus on music lately, I’m probably one of the last to catch on—but hey, better late than never, right?
So here I am, whistling along with the rest:
“Construct” is the name of the upcoming album from VNV Nation, set to be released on May 9, 2025.

Described as an “optimistic blend of soundscapes, melodies, and emotional depth,” the album will later be followed by a companion piece—fittingly titled “Deconstruct”—which promises to take things in a much darker direction.

To mark the Easter weekend, Ronan Harris, the man behind VNV Nation, dropped a second pre-release single: “Station 21.”
And if you’re wondering what that optimistic blend might sound like—this track gives you a pretty great idea.

It’s one of those classic VNV anthems that lifts the mood of a concert crowd into the stratosphere.
One of those songs where you can hum along to the chorus by the second time it hits.

Fans who caught the most recent tour have already been introduced to “Station 21” live—and by all accounts, it’s already become a proper crowd favorite.

I have to say: after “Silence Speaks” and now “Station 21”, I’m feeling very hopeful about the new album.

After the comparatively darker tones of Noire and Electric Sun, I think it’s safe to say that, given the state of the world right now, we could all use a little musical optimism.

Even if it’s only until “Deconstruct” inevitably brings us crashing back down to Earth...

Long story short:
I’m ready. Let’s go.
Bring on “Construct.”

Der erste Band der aktuellen Solo-Serie von Marvels wahrscheinlich grausamster Schöpfung, Carnage, hinterließ im August 2024 einen ziemlich guten Eindruck. Das war auch dringend nötig, denn weder diverse Venom-Abenteuer noch das große, bisherige Finale „Der Tod des Venomverse“ waren Glanzlichter in der Historie der roten bzw. schwarzen Symbionten. Da passte es gut, dass Cletus Kasady wieder als das zynische, blutrünstige Monster ohne auch nur einen winzigen Funken von Anstand und Gewissen porträtiert wurde. Mit dem zweiten Band, um den es mir nun nachfolgend gehen soll, stellt sich selbstredend die Frage: Bleibt das so bitterböse, der Gesellschaft den Spiegel vorhaltend? Oder fällt das Niveau wieder ab auf die übliche Monster-Klopperei? Die Antwort kann eigentlich schon direkt vorab gegeben werden: Beides trifft zu.

Carnage hat zu Beginn dieses Bandes sooo Bock darauf, Eddie Brock ein für alle Mal die Lichter auszupusten. Oder den Kopp abzubeißen und das Hirn zu fressen, ihn in tausend Teile zu zerfetzen oder was auch immer sonst so gerade durch dessen krankes Hirn spukt. Aber bis auf die Tatsache, Eddies Sohn und den aktuellen Wirt des Venom-Symbionten um die Ecke gebracht zu haben, kommt er seinem Ziel nicht wirklich näher, egal wie sehr er sich müht. Dafür gibt es dann irgendwann jede Menge Klassenkeile in der Welt des Königs in Schwarz. Ich könnte schwören, eine ähnliche Situation hätten wir mehr oder weniger gerade eben erst erlebt.

Im weiteren Verlauf des Comics folgt dann aber wieder vermehrt Bühnenzeit für Cletus Kasady, der sich durch die Zivilbevölkerung mordet. Auf der Abschussliste unter anderem: Die Social-Media-Heinis und Influencer-Wannabes, die schon im ersten Band sehr an jene Witzfiguren erinnerten, die Meinungen und gefühltes Wissen in der echten Welt via Youtube oder Telegram eintüten, für tatsächliche Fakten aber nicht mehr empfänglich sind. Es kommt natürlich auch hier zu jeder Menge Blutvergießen, in dessen Zentrum nicht nur Cletus/Carnage stehen, sondern beispielsweise auch der Anti-Venom Flash Thompson. Und es wird deutlich: auch hier wird wieder derart am Rad gedreht, dass das nächste große (Story-)Ding schon vor der Türe steht. Und richtig, der „Venom War“, das nächste Event nach „Blood Hunt“, ist im Anmarsch. Apropos „Blood Hunt“: (Blut-)Spuren dieses Großereignisses finden sich auch in der Welt von Carnage, daher dürfen die untoten Blutsauger auch hier eine Rolle spielen …

So dramatisch und zum Fingernägel kauen verleitend spannend wie der erste Band, war der zweite leider nicht. Nachdem das nun gesagt wurde: Eine Zeitverschwendung oder gar ein Totalausfall war dieser Comic mit dem Untertitel „Monster gegen Monster“ allerdings auch nicht. Die Klassenkeile in der Welt des Königs in Schwarz hätte ich nicht gebraucht, allerdings muss ich auch zugeben, dass ich die ganze Reihe um Eddie, Eddie und/oder Eddie auch nicht bräuchte. Das ist mir persönlich alles ein bisschen zu sehr drüber und ich hoffe, der kommende „Venom War“ wird nicht auch so ein hirnloser Exzess wie „Der Tod des Venomverse“. So ganz kann ich meine Skepsis allerdings nicht leugnen. Die Momente aber, in denen Cletus/Carnage wie die Inkarnation des absolut Bösen auf Erden wandelt und sich durch die Zivilbevölkerung mordet, verfügen umgekehrt über gewisses Faszinationspotential. Die Verantwortlichen hatten offenbar große Freude daran, ihrer Lust an einer sehr abgründigen Figur freien Lauf zu lassen.

Optisch geht das alles in Ordnung, was hier so geboten wird. Zwar haben hier diverse Köche den Brei angerührt, ist aber sehenswert, weil der jeweiligen Szene die notwendige Dramatik/Dynamik/Action angedeihen lassen haben alle beteiligten Kunstschaffenden. Ein weiterer Band ist noch nicht angekündigt, gleichwohl ist die Geschichte noch nicht zu Ende erzählt. Bleibt also abzuwarten, ob es in „Venom War“, im finalen Band von „Venom: Erbe des Königs“ oder gar einem dritten Band von „Carnage“ passiert. Ein bisschen hoffe ich auf letzteres, tippe allerdings auf Option 1 oder 2.

The first volume of the current Carnage solo series, released in August 2024, left quite a strong impression. And that was sorely needed – neither the various Venom adventures nor the so-called grand finale Death of the Venomverse had been anything to write home about. So it was a welcome return to form to see Cletus Kasady portrayed once again as the cynical, bloodthirsty monster he is – devoid of remorse, empathy, or even a shred of humanity. Naturally, the question for Volume 2 is: can it maintain that same level of unhinged brilliance, still holding up a mirror to our deranged society? Or are we back to mindless monster-punching? The answer: a bit of both.

We start off with Carnage obsessively fixated on finally taking Eddie Brock out. Whether that means biting off his head, ripping him apart, or devouring his brain depends on the day – Cletus is nothing if not creative. Despite his efforts and a mounting body count (including Eddie’s son and current Venom host), Carnage doesn’t quite get where he wants. Instead, we’re treated to a detour into the dimension of the King in Black for a symbiote smackdown. And yes – it all feels eerily familiar.

Fortunately, the second half of the comic grants more stage time to Kasady himself, as he rampages through the civilian world. Back on the hit list: social media clowns and influencer-wannabes – the same kinds of people mocked in the first volume, who spew their made-up truths and YouTube University wisdom while treating actual facts like a vampire treats garlic. It gets bloody, of course, and Flash Thompson’s Anti-Venom joins the fray. And wouldn't you know it – there are hints that the next big Marvel symbiote event is creeping closer: Venom War looms on the horizon. Speaking of events, there are even some blood-stained fingerprints from Blood Hunt smeared into the background here – because of course, vampires get their moment too.

Is this second volume as dramatically sharp or nail-bitingly tense as the first? No. Let’s get that out of the way. But a total waste of time? Also no. The interdimensional beatdown in the King in Black realm didn’t do much for me – truth be told, neither does the ongoing Eddie-on-Eddie saga. It's all a bit much, and I can't help but fear that Venom War will spiral into the same kind of empty chaos we got from Death of the Venomverse. Still, the moments where Cletus/Carnage is depicted as a walking embodiment of pure evil – casually tearing through the public like a demon with nothing left to lose – have an undeniable pull. It’s clear the creative team took real pleasure in leaning into the darker, more twisted parts of this character.

Visually? No complaints. While a number of different artists contributed here, the final product is coherent and effective. Each scene has the punch and presence it needs, whether that means full-blown chaos or ominous buildup.

No third volume has been officially announced, but the story clearly isn’t done. Whether that final showdown happens in Venom War, in the last volume of Venom: King in Black’s Legacy, or a third Carnage entry – we’ll have to wait and see. I’m hoping for the latter. But realistically? I’m betting on one of the other two.

Wenn der Namen Warren Ellis auf dem Cover eines Comics aufgedruckt ist, lehnt man sich nicht allzu weit aus dem Fenster, wenn man inhaltlich hochwertige Kost erwartet, denke ich. Schließlich hatte der Mann dereinst mit Knüllern wie „The Authority“ Dellen ins Comicuniversum geschlagen. Und wenn dieser Name unter dem Logo von Marvels Avengers auftaucht, dann darf man gewiss eine spannende Kombination erwarten. Die Geschichte, um die es mir hier und heute geht, datiert bereits auf das Jahr 2013 zurück, hat also schon das ein oder andere Jährchen auf dem Buckel. Wie gut, dass es Paninis „Marvel Must-Have“-Reihe gibt. Da kann man einige (nicht nur aus Sicht des Verlags) wichtige Meilensteine nachholen. Oft kann man dem von Panini vergebenen Stempel Must-Have zustimmen. Aber eben nicht immer. Und damit kommen wir zur heutigen Frage: Wie verhält es sich bei „Marvel Must-Have: Avengers - Der endlose Krieg“?

Ein Bürgerkrieg tobt im fiktiven Staat Slorenia, den die Verantwortlichen für die Handlung dieses Comics kurzerhand in den Nahen Osten verlegten. Irgendwas fliegt über die Köpfe der dortigen Bevölkerung und man hält es für Drohnen. Groß und unbekannt zwar, aber eben Drohnen. Eines dieser Dinger wird abgeschossen und geht mitten in einem Wohngebiet runter. Stellt sich heraus: auf diesen buchstäblich seltsamen Vögeln prangt das Logo der US-Luftwaffe.

Die Avengers, hier bestehend aus Thor, Captain America, Iron Man, Black Widow, Hawkeye und später auch dem Hulk machen sich auf den Weg, herauszufinden, was es damit auf sich hat. Und warum ausgerechnet S.H.I.E.L.D. ein ausgemachtes Interesse an diesen Teilen zeigt. In einem Umfang, dass sie lieber den Avengers im Wege stehen würden, als die Superheldentruppe dichter daran heranzulassen. Erinnerungen an Captain Americas Einsätze im Zweiten Weltkrieg werden bei ebendiesem geweckt. Und richtig: Schon die Nazis hatten seinerzeit diese Drachendrohnen mit irgendwelchen seltsamen Wesen im Einsatz. Offensichtlich enden lediglich Kämpfe, nicht aber der Krieg als solches…

Die Story wurde damals als Graphic Novel angepriesen. Wie genau man aber definieren möchte, was eine Graphic Novel ist, darüber herrscht nicht zuletzt drüben in den Staaten Uneinigkeit. Im Falle von Marvels Interpretation war dies wohl vor allem die Möglichkeit des Kreativteams, die zumindest damals übliche Begrenzung von 22 Seiten für ein Heft aufzubrechen und dem Werk den Umfang angedeihen zu lassen, den es brauchte, um die Geschichte zu erzählen. Sicherlich, es hätte auch eine (Mini-)Serie, die zu einem späteren Zeitpunkt als Sammelband neu aufgelegt, veröffentlicht hätte werden können. Aber so kam das damals eben auf einen Schlag als Graphic Novel.

Wer mal die skurrilen Abenteuer der Authority gelesen hat, wird Warren Ellis’ Werk möglicherweise als sehr vertraut empfinden. Flotte Sprüche, eine seltsame Mischung aus Science- und Weird-Fiction, lebende Maschinen und eine Superheldentruppe, die zunächst mal drauf drischt - das war in The Authority zu erleben, das ist auch hier zu erleben. Ich bin mir ziemlich sicher, dass die unterhaltsame, aber nicht überragende Story auch funktioniert hätte, wäre anstatt von Thor Jenny Sparks die Anführerin gewesen und anstelle der Avengers ihre Authority-Bande im Schlepptau gehabt hätte. Grundsätzlich sicher keine ganz schlechte Sache. Allerdings fehlt mir auf der anderen Seite dann doch wieder der zynische Biss, welchen die Authority damals zu bieten hatte, den Marvel bei seiner Hochglanztruppe aber (zumindest damals) gewiss nicht hat sehen wollen.

Auch die relativ einfach wirkenden, dennoch nicht weniger effektiven Zeichnungen von Mike McKone wecken Assoziationen an die fragwürdige Heldentruppe, die um den Jahrtausendwechsel herum aktiv war. Einigermaßen frei von Details und Dynamik, dennoch vielleicht gerade wegen der einfachen Strichführung wirkungsvoll. Alles in allem ist dieser Ausflug in die Welt der Avengers definitiv unterhaltsam und lesenswert. Gleichwohl: Ein Must-Have ist es meines Erachtens nicht. Wenn man die Story bis dato nicht kannte, dreht sich die Welt auch weiter, wenn man an diesem Umstand nichts ändert.

When Warren Ellis’ name is printed on the cover of a comic book, it’s not exactly a risky move to expect some high-caliber storytelling. The man left undeniable dents in the comic book universe with works like The Authority. So when his name appears beneath Marvel’s Avengers logo, you’d be forgiven for expecting a pretty exciting combination.

The story I’m talking about today originally dates back to 2013, so it’s been around the block a few times. Thank goodness for Panini’s Marvel Must-Have series – a fine excuse to catch up on some of the publisher’s (subjectively) essential releases. Most of the time, the "must-have" label is justified. But not always. Which brings us to today’s question: does Marvel Must-Have: Avengers – Endless Wartime really live up to the label?

We find ourselves in the middle of a civil war in the fictional nation of Slorenia – moved here, quite transparently, to a Middle Eastern setting for the sake of relevance and allegory. Something strange is spotted flying overhead. The locals think it’s a drone. Big, weird, probably American. When one of these airborne oddities is shot down and crashes into a residential zone, a familiar symbol is found emblazoned on its metallic hide: the logo of the United States Air Force.

Enter the Avengers: Thor, Captain America, Iron Man, Black Widow, Hawkeye, and eventually the Hulk. Their mission: figure out what the hell is going on – and why S.H.I.E.L.D. is so hell-bent on keeping them out of it. Naturally, Cap starts getting flashbacks to WWII. As it turns out, the Nazis had their own version of these dragon-drones, complete with organic components and questionable science. Time may march on, but war, it seems, never truly ends...

Back in 2013, this was marketed as a graphic novel. What qualifies as a graphic novel is, admittedly, up for debate – especially in the States. But in Marvel’s case, it likely meant one thing: ditch the standard 22-page comic format and let the creative team stretch their legs. Could this story have been told as a mini-series later collected into a trade? Absolutely. But releasing it all at once gave it a bit more gravitas at the time.

If you’ve read The Authority, some of this might feel awfully familiar. The snappy one-liners. The blend of sci-fi and weird fiction. The punching-first-asking-later approach. This could very well be a slightly dialed-back Authority arc, with Jenny Sparks swapped out for Thor and a few Marvel-brand coats of polish added on top. That’s not necessarily a bad thing, mind you – but you can definitely feel the edges being sanded down. The cynical bite that defined The Authority just isn’t here. This is Marvel, after all.

Mike McKone’s art adds to that familiar vibe. Simple linework, low on detail, but surprisingly effective. There’s not much in the way of dynamic flair, but the visuals do their job well enough. The book looks and feels like a mid-budget superhero tale with ambitions of something more cerebral – though it never quite gets there.

So where does that leave us?

Endless Wartime is an entertaining Avengers story with a sci-fi twist and enough weirdness to set it apart from your average hero-vs-villain slugfest. But a must-have? Not quite. If you’ve never read it, your world won’t come crashing down. And if you do pick it up, you’ll likely enjoy it – but you probably won’t remember it for long after turning the final page.

Final verdict:
Fun? Sure. Worthwhile? Arguably. Essential? Not really.
Marvel Must-Have: Avengers – Endless Wartime is a solid one-off tale that wears its influences proudly. Just don’t expect it to leave a dent in your comic-reading soul.

Unter dem Banner „Dawn of DC“ sind in den letzten Monaten so einige Titel veröffentlicht worden. Beziehungsweise haben im Rahmen von DCs Neustart-Initiative diverse Reihen einen neuen Aufguss spendiert bekommen. Ziel war es, neue Leserschaft zu generieren und gleichzeitig aber auch jene bei Laune zu halten, die schon länger dabei sind. Im Zuge dessen sind viele gute und einige sehr gute Comics veröffentlicht worden, leider aber eben auch ein paar Gurken. Und der erste Aufschlag von Oliver Queen alias Green Arrow konnte zumindest mich nicht begeistern. Zu verworren, zu unausgegoren war mir das, was im ersten Band aufgeführt wurde. Zumal: Wer die „Dark Crisis“ nicht mitverfolgt hatte, gewiss auch einigermaßen ratlos durch die Seiten blätterte. Die dunkle Krise ist für das Verständnis, warum Oliver Queen auf einer einsamen Insel fest saß, getrennt von seiner (Arrow-)Familie und Kokosnüsse schaukelnd, durchaus elementar. Thema hier und heute ist der zweite Band mit dem Untertitel „Heimkehr“.

Der Großteil dieses zweiten Comics rund um den Bogenschützen mit dem grünen Gewand am Leibe dient als ein Auftakt zu dem nächsten großen Ereignis im DC-Universum: Absolute Power, das rund um die durchtriebene Amanda Waller konzipiert wurde. Oliver Queen ist inzwischen fertig damit, die Kokosnüsse zu schaukeln, wieder zurück von der Insel und mit einem Teil seiner Familie wiedervereint, gleichwohl aber bass erstaunt, dass die Justice League offenbar die Stecker gezogen hat. Im Rahmen der Nachwirkungen der Dark Crisis sind nun die Titans um Nightwing am Drücker.

Und auch wenn man davon ausgehen dürfte, dass wenn die Liga schon den Betrieb einstellt, auch sämtliches Inventar von Wert und Interesse eingemottet wird - schließlich zählt man einen wie Batman zu den Hausmeistern - irgendwo kommt immer eine Amanda Waller (oder artverwandte Saquegänger*innen) angesaust, die der Meinung ist: Kiek doch mal hin, da muss doch noch wat sein!

Und so ist Oliver Queen unterwegs, um einen besonderen Gegenstand von Wert und Interesse zu bergen. Als Gegenleistung darf er das nächste Mitglied seiner Familie wiedersehen. Es versteht sich natürlich von selbst, dass Queen nicht einfach durch die verstaubten Kemenaten schleicht und gutes Meißner Porzellan eintütet. Da steht schon ein bisschen was anderes auf Wallers Wunschzettel. Und noch vor Ort gibt es ein pfeilgeschwängertes Stelldichein mit einem alten Widersacher, der den Umgang mit dem Bogen genauso gut beherrscht wie Mr. Queen selbst…

Joa. Hm. Tja. So richtig aus den jüngst zum Probetragen und Einlaufen an meinen Füßen befindlichen Wanderschuhen kickt mich auch der zweite Band nicht. Zwar ist hier alles logischer, schlüssiger und auch ohne weiteres Hintergrundwissen nachvollziehbarer als noch im ersten Band, aber das sagt ja nicht aus, dass es deswegen auch gut und spannend ist. Für mein Empfinden ist es das nicht und in meinem Koppe rotiert nach wie vor das Wort „unnötig“, was diesen „Dawn of DC“-Neustart anbelangt.

Ich erinnere mich, Damals richtig coole, von Kevin Smith geschriebene Storys mit dem Bogenschützen gelesen zu haben. Und ich komme nicht umhin, mich immer wieder sehnsüchtelnd daran zu erinnern. Denn auch dieses zweite Green-Arrow-Moped schafft so null Mehrwert. Weder für den Charakter und dessen Entwicklung, noch für seine Leserschaft. Und dass die Zeichungen, für sich betrachtet zwar durchaus ganz hübsch anzuschauen, aber stilistisch teilweise sehr weit auseinander, so wirken, als hätte man aus jedem Dorf einen Köter genommen, steigern das Vergnügen ebenfalls nicht.

In diesem Jahr wird es, nicht zuletzt wegen des „Absolute Power“-Events mindestens noch einen dritten Band aus der aktuellen Serie geben. Bekanntlich stirbt die Hoffnung zuletzt, dennoch: Dass Oliver Queen hier noch - Obacht jetzt! - Bogen schlägt zu einem Top-Titel, daran mag ich derzeit einfach nicht glauben.

Under the banner of Dawn of DC, we’ve seen a whole bunch of titles roll out in recent months. Or rather, existing series have been given a reboot – some more, some less extensive – with the goal of pulling in new readers while also keeping the long-timers onboard. The results? A healthy mix of the good, the great, and yes... a few absolute stinkers.

Sadly, Green Arrow’s first swing at the Dawn of DC initiative was, for me at least, squarely in the latter category. Too convoluted, too unfocused, too reliant on knowledge from Dark Crisis to make any real sense. Unless you had followed that storyline, you’d be forgiven for wondering why Oliver Queen was stranded on a deserted island, doing the coconut shuffle all by his lonesome. Not exactly the heroic return fans might have hoped for.

Which brings us to Volume 2, titled Homecoming.

Oliver’s back. No more hammock naps under palm trees – he’s been reunited with (part of) his Arrow-family and finds himself absolutely baffled that the Justice League has apparently closed up shop. In the wake of Dark Crisis, the Titans are now front and center, with Nightwing taking the lead. But where there’s abandoned JL property, you can bet your last kryptonite coin that someone like Amanda Waller will come sniffing around, convinced that some shiny relic of interest is still up for grabs.

And wouldn’t you know it – Ollie’s now on a mission to recover said object. The reward? A chance to see another missing member of his family. Of course, things don’t go as planned. Before long, he’s caught in a tense, arrow-filled face-off with a familiar nemesis who’s just as skilled with a bow as Mr. Queen himself.

So. Yeah. Hm. Well.

I wish I could say Volume 2 pulled me in. That it made up for the missteps of its predecessor. That it made me care. But honestly? It doesn’t. Sure, it’s more coherent and easier to follow than the first one – which, let’s be honest, isn’t saying much – but it still feels... unnecessary.

The story offers no real development for Oliver Queen as a character. No fresh angle. No meaningful emotional beats. It’s just kind of there, nudging the narrative slightly forward on its way to the next big crossover event (Absolute Power, in case you’re keeping score).

And speaking of unnecessary: the art. While each segment might be nice enough to look at in isolation, the shifting styles throughout the volume make it feel like a patchwork of mismatched tones. Like someone invited a different artist from every comic shop in America to contribute a page. The result? Visually jarring and narratively unhelpful.

I find myself yearning for the old days. You know, when Kevin Smith was writing sharp, emotionally resonant Green Arrow stories that made you feel something. This? This doesn’t even graze that bar. Not even close. It’s not bad, per se – it just lacks punch, purpose, and frankly, a reason to exist.

And yes, we’re getting a third volume later this year, tied to the Absolute Power event. And yes, hope dies last. But as far as I’m concerned, unless something drastically changes, it’s hard to imagine Oliver Queen sticking the landing – or even finding the damn runway.

Final verdict:
Green Arrow: Homecoming is a mild improvement over a lackluster first volume, but still far from must-read territory. Pretty pictures can’t save a weak plot. Unless you’re a die-hard completionist or an Ollie superfan, feel free to skip this one.

Manchmal kann das Leben eines Comic-Rezensenten wirklich einfach sein. Nämlich dann, wenn man zum Einstieg wenig bis keine einleitende Worte darüber zu verlieren braucht, wer die Protagonisten des zu rezensierenden Comics sind, noch darüber, wer für dessen Entstehung verantwortlich ist. Zumindest dann, wenn man der Leserschaft ein gewisses Interesse und damit Grundwissen an der Thematik unterstellt. Was ich nachfolgend tun werde. Lasst mich das mal ausprobieren: Nick Fury, den Leiter von S.H.I.E.L.D. kennt Ihr, oder? Und sei es nur durch die Interpretation der Figur in Marvels Cinematic Universe durch Samuel L. Jackson. Check Den Punisher dürftet Ihr auch kennen, nehme ich an, und sei es auch hier „nur“ durch das MCU. Und auch den Autoren Garth Ennis kennt Ihr, wenn vielleicht auch nur indirekt durch seine Schöpfung, die Comicserie „The Boys“, die als Fernsehserie bei Prime sich in Sachen Geschmacklosigkeit gegenüber der Vorlage nicht die Butter vom Brot nehmen lassen möchte. Damit sind die Kernkomponenten von „Punisher: Mission Fury“ benannt, kommen wir also zum Thema.

Das Jahr ist 1971 und der Vietnam-Krieg, sicherlich einer der schmutzigsten in der Geschichte - sofern man hier überhaupt Unterscheidungen vornehmen möchte - ist in vollem Gange. Ein gewisser Nick Fury gerät mit seiner Einheit in einen Hinterhalt der Vietcong und somit in Gefangenschaft. Fury, ziemlich allumfassend mit jeder Menge nützlicher Informationen versehen, ist für den Feind sehr willkommene Beute. Die US-Armee hingegen findet das aus naheliegenden Gründen nicht ganz so prima, dass eines der wertvollsten Pferde im Stall nun in den Händen der Konkurrenz liegt, um es mal diplomatisch auszudrücken. Also wird der Plan gefasst: Nick Fury muss sterben. Ausgeschaltet durch Frank Castle.

Also lässt man Castle mit dem Fallschirm über Feindesland abspringen, um sein Ziel ausfindig zu machen und in die ewigen Jagdgründe zu schicken. Dass es natürlich anders kommt, kann an dieser Stelle erwähnt werden, ohne dass ich mit der Spoiler-Kelle winken müsste. Castle findet natürlich sein Ziel - aber auch jede Menge dreckiger Wäsche, von der die Army, die von der CIA unterwandert wurde, gewiss gerne gehabt hätte, dass sie nie ans Tageslicht gekommen wäre. Und somit hat ziemlich schnell auch Frank Castle die buchstäbliche Zielscheibe auf dem Rücken…

Wie nicht anders zu erwarten, ist „Punisher: Mission Fury“ ein ziemlich harter, in Teilen ziemlich grausamer Kriegscomic, der an mitunter ziemlich drastischen Bildern nicht geizt. Wie so oft hervorragend geschrieben von Garth Ennis, der als Autor von „Punisher“ schon über einige Erfahrung mit Marvels Bestrafer verfügt. Ein bisschen fühle ich mich an (Anti-)Kriegsfilme wie „Apocalypse Now“ erinnert. Manche Szene dieses Comics ist gleichermaßen schockierend wie unappetitlich, daher kann ich der Leseempfehlung seitens des Verlages, ab 18 Jahren nämlich, an dieser Stelle nur beipflichten. Wenn einer wie Garth Ennis einen Punisher-Comic schreibt, der im Schrecken des Vietnam-Kriegs angesiedelt ist, kann aber vermutlich auch kaum etwas anders dabei herauskommen, nehme ich an.

Die Zeichnungen von Jacen Burrows fangen das Geschehen sehr gut ein. Trotz oder vielleicht gerade wegen der sehr einfachen Strichführung und der überraschend wenigen Details, die den Bildern innewohnen. Sie verfehlen ihre Wirkung dennoch nicht. In Kombination mit der hervorragenden Farbgebung und den gelungenen Texten aus der Feder von Garth Ennis wird die schwüle Hitze des vietnamesischen Dschungels förmlich spürbar.

Es ist dies kein Einzelband, welcher einem der beiden Protagonisten entscheidende neue Facetten andichtet. Trotzdem: knallharte, vielleicht auch latent provokante Comiclektüre, die von der ersten bis zur letzten der rund 130 Seiten durchweg Spannung und Unterhaltung bietet, ist es trotzdem. Wer sich für Nick Fury begeistern kann, gönnt sich dieses Moped für 18 Euro. Wer den Punisher mag, auch. Und wessen Herz für die Arbeit von Garth Ennis schlägt, sowieso.

Sometimes, being a comic reviewer is ridiculously easy. Like when you don’t even have to explain who the protagonists are, nor the folks behind the scenes making it all happen. Because, let’s face it: if you’re even remotely into comics, some names speak for themselves.

So let’s just assume a baseline level of nerd awareness and jump right in:
Nick Fury – you know, the guy with the eyepatch and the S.H.I.E.L.D. access codes. Check.
The Punisher – skull-shirted vigilante with a gun fetish and a moral compass set to “permanent vengeance.” Check.
And Garth Ennis – the man behind The Boys and many a disturbing Punisher run. Check and check.

Now that the players are introduced, let’s talk about Punisher: Get Fury (original title: Punisher: Mission Fury in German).

The Setup:
It’s 1971. The Vietnam War is raging, muddy, morally murky, and as brutal as ever. Nick Fury and his unit walk into a trap and end up prisoners of war. Bad news for the U.S. Army, considering Fury is carrying a brain full of classified intel. So what do they do?

They decide he’s better off dead.

Enter Frank Castle: before he was The Punisher, he was a soldier with a reputation for getting dirty jobs done. So they drop him behind enemy lines with one goal: locate Fury... and eliminate him.

Of course, things don’t go according to plan. (Wouldn’t be much of a comic if they did.) Castle finds Fury, alright. But he also finds a pile of secrets so filthy, even the Viet Cong would blush. Turns out the CIA has been playing games of its own—and now Castle’s expendable, too.

This book is exactly what you’d expect from Garth Ennis doing a Punisher-in-Vietnam story. It’s violent. It’s grim. It’s cynical as hell. There are no real “heroes” here—just people trying to survive a war that chews up morality and spits it out alongside broken bodies.

If you’ve ever seen Apocalypse Now, you’ll feel the vibe. There’s a lot of grit, a lot of smoke, and a lot of blood. Ennis leans into the nihilism, but as always, he knows how to write a tight, gripping script that refuses to let go. Every bullet has weight. Every betrayal lands with a sickening thud.

Jacen Burrows’ art complements the script perfectly. It’s deceptively simple—clean lines, sparse detailing—but there’s a deliberate sharpness to it. The minimalism lets the violence breathe (and hit harder), while the color work helps drive home the oppressive heat and tension of the jungle setting. You can practically smell the sweat, blood, and mildew coming off the pages.

So, is this a must-read?
It depends on your tastes.

• If you’re a Punisher fan: yes.

• If you like war comics that don’t flinch or sugarcoat: yes.

• If Garth Ennis is your brand of whiskey-soaked storytelling: hell yes.

• If you're squeamish or looking for superheroic feel-good moments: this ain't it, chief.

This isn’t a game-changer or a deep character reinvention. It doesn’t “redefine” Fury or Castle. What it does do is deliver 130 pages of tightly wound, brutal storytelling where no one gets out clean—and that, in and of itself, is more than enough.