AI時代のビートメイカーにとっていちばん大事なのは、「どのレイヤーを自分の責任範囲＝芯とみなすか」を決めておくことだと思う。

サウンドデザイン、コード進行、グルーヴ、質感、どこを他人（＝AI）に任せて、どこを自分で握るのかを決めることで、「これは自分の作品だ」と胸を張れるラインが生まれる。

自分の場合、その芯は「MIDI」と「オーディオ素材の出自」に置いている。AIからアイデアをもらうことはあっても、最後に責任を持つのは自分の手で打ち込んだMIDIと、自分の耳で選んだサウンドだけにしたい。

AIがどれだけ優秀になっても、MIDIには「その曲の呼吸」が詰まっている。リズムのヨレ、ベロシティ、ノートの長さ、ハネ方、わざと詰める・わざと空ける、といった細部の判断は、結局すべてMIDIの配置に現れる。

だから、たとえAIでコードやフレーズのヒントをもらったとしても、最終的には自分の手でMIDIを打ち直す／編集することが、自分にとっては「作家性のコア」を握り直す作業になる。

AIが提案したフレーズも、そのままではなく「自分の指を通したMIDI」に変換してから初めて「自分のビート」と呼びたい。

AI以前から、ロイヤリティーフリーのドラムループやサンプルパックの使用は避けてきた。理由はシンプルで、他人と音が被るリスクが高いことと、Content IDなどの自動検出に引っかかる可能性があることだ。

AI以後は、「AIが生成したオーディオをサンプリングしてフリップする」という手もある。けれど自分は、AIオーディオそのものを素材としては使わないようにしている。なぜなら、将来的に検出されるタイプのウォーターマークやフィンガープリントが、AI音源の中に埋め込まれている可能性を排除できないからだ。

それだけではなく、「元の波形そのものがAI由来」という状態に、精神的に引っかかりがある。完成したトラックの土台がAIオーディオだと、どれだけ自分で加工しても「この音の根っこは誰のものか？」という問いに対して、気持ちよく答えられない。

そこで最近の自分がとっているのは、「AIはアイデア担当、最終形はMIDI担当として自分」という分業だ。コード進行、構成、雰囲気のラフスケッチまではAIに手伝わせてもいいが、ビートのグルーヴ、ベースライン、メロディの細部は、自分の手でMIDIとして組み直す。

• AIに任せる範囲：

  • ラフなコードやスケールの候補

  • 雰囲気やジャンルのアイデア

  • 参考になりそうな展開パターン

• 自分が握る範囲：

  • ドラムの打ち込みとグルーヴ

  • ベースと主要フレーズのMIDI

  • 最終的な構成とミックスバランス

こう線引きしておくことで、「AIを使ったかどうか」ではなく、「最終的な演奏情報を自分が握っているかどうか」で芯を確認できる。AIはあくまで「壁打ち相手」であって、ピッチャーもキャッチャーも最後は自分がやる、というイメージに近い。

Sunoのようなフルオーディオ生成型サービスは、登場したときはとても刺激的だった。テキストを投げるだけで、それっぽい曲が返ってくる体験は、確かに革新的だったと思う。

でも、使い込むほどに「自分の作品の芯をどこに置くか」という問題が浮き彫りになった。完成されたオーディオを吐き出すタイプのAIは、便利であると同時に、以下のような違和感を生みやすいと感じた。

• 自分が本当にやった仕事はどこなのかが曖昧になる

• Suno側のルール変更や検出システム次第で、将来の扱いがどう転ぶかわからない

• 作品の“根っこ”にAIオーディオがある状態が、どうしても自分の美学と噛み合わない

結局、自分にとってのビートメイクの快感は、「1ノートずつ自分で並べて、グルーヴを作ること」にある。そこがAIオーディオで埋まってしまうと、「これは自分の曲だ」と言い切るための根拠が薄くなる。だから自然と、Sunoからは距離を置くようになった。

ただ、SunoはMIDI出力やステム書き出しにも対応してきていて、「AIでラフを作って、自分のDAWでMIDIを編集する」という理想的な使い方が見え始めていた。そういう意味では、本来なら「これからが本番」のツールでもあった。

それでも自分がSunoから距離を置こうとしている一番の理由は、WMG（Warner Music Group）とのディールによって「ライセンスモデルAI」の方向に舵が切られたことだ。

大手レーベルとの提携によって、モデルの中身が特定のカタログや権利構造に強く結びつき、利用側もそのライセンスとルールの枠内で活動することになる。表向きはアーティスト保護や正規ライセンスの話だとしても、自分にとっては「作品の芯が、メジャー資本のライセンスモデルの上に乗ってしまう」感覚がどうしても拭えなかった。

自分は「完成されたAIオーディオをそのまま作品の核に置く」のではなく、「自分の打ち込んだMIDIと、自分の耳で選んだサウンドデザイン」を核に置きたい。

そして、その核はできるだけニュートラルな土台の上に置いておきたい。Sunoから離れる決断は、そのための選択でもある。

これは単なるツール選好ではなく、「作品の芯をどこに置くか」「どんな経済・ライセンス構造の上でビートを作りたいか」という倫理・美学の選択に近い。ポストAI時代のビートメイカーとして、自分はこういう線引きをしている、という話だ。

AIを完全に拒否するつもりはないし、うまく使えば制作スピードも発想の幅も広がる。ただし、自分は「AIオーディオを作品の核に置かない」「最終的なMIDIとグルーヴは自分で握る」というルールを決めた。

• AIはアイデアまで。

• MIDIとグルーヴと質感は、自分の手で作る。

• サンプルの出自とウォーターマークのリスクを意識しつつ、できるだけ自前の演奏情報と音作りで勝負する。

この線引きのおかげで、「AIを使う／使わない」に悩みすぎず、「自分の作品の芯」を見失わずにいられる。ポストAI時代のビートメイクをどう生きるかを考えたとき、自分はこういう答えにたどり着いた。

AI時代のビートメイカーにとっていちばん大事なのは、「どのレイヤーを自分の責任範囲＝芯とみなすか」を決めておくことだと思う。

サウンドデザイン、コード進行、グルーヴ、質感、どこを他人（＝AI）に任せて、どこを自分で握るのかを決めることで、「これは自分の作品だ」と胸を張れるラインが生まれる。

自分の場合、その芯は「MIDI」と「オーディオ素材の出自」に置いている。AIからアイデアをもらうことはあっても、最後に責任を持つのは自分の手で打ち込んだMIDIと、自分の耳で選んだサウンドだけにしたい。

AIがどれだけ優秀になっても、MIDIには「その曲の呼吸」が詰まっている。リズムのヨレ、ベロシティ、ノートの長さ、ハネ方、わざと詰める・わざと空ける、といった細部の判断は、結局すべてMIDIの配置に現れる。

だから、たとえAIでコードやフレーズのヒントをもらったとしても、最終的には自分の手でMIDIを打ち直す／編集することが、自分にとっては「作家性のコア」を握り直す作業になる。

AIが提案したフレーズも、そのままではなく「自分の指を通したMIDI」に変換してから初めて「自分のビート」と呼びたい。

AI以前から、ロイヤリティーフリーのドラムループやサンプルパックの使用は避けてきた。理由はシンプルで、他人と音が被るリスクが高いことと、Content IDなどの自動検出に引っかかる可能性があることだ。

AI以後は、「AIが生成したオーディオをサンプリングしてフリップする」という手もある。けれど自分は、AIオーディオそのものを素材としては使わないようにしている。なぜなら、将来的に検出されるタイプのウォーターマークやフィンガープリントが、AI音源の中に埋め込まれている可能性を排除できないからだ。

それだけではなく、「元の波形そのものがAI由来」という状態に、精神的に引っかかりがある。完成したトラックの土台がAIオーディオだと、どれだけ自分で加工しても「この音の根っこは誰のものか？」という問いに対して、気持ちよく答えられない。

そこで最近の自分がとっているのは、「AIはアイデア担当、最終形はMIDI担当として自分」という分業だ。コード進行、構成、雰囲気のラフスケッチまではAIに手伝わせてもいいが、ビートのグルーヴ、ベースライン、メロディの細部は、自分の手でMIDIとして組み直す。

• AIに任せる範囲：

  • ラフなコードやスケールの候補

  • 雰囲気やジャンルのアイデア

  • 参考になりそうな展開パターン

• 自分が握る範囲：

  • ドラムの打ち込みとグルーヴ

  • ベースと主要フレーズのMIDI

  • 最終的な構成とミックスバランス

こう線引きしておくことで、「AIを使ったかどうか」ではなく、「最終的な演奏情報を自分が握っているかどうか」で芯を確認できる。AIはあくまで「壁打ち相手」であって、ピッチャーもキャッチャーも最後は自分がやる、というイメージに近い。

Sunoのようなフルオーディオ生成型サービスは、登場したときはとても刺激的だった。テキストを投げるだけで、それっぽい曲が返ってくる体験は、確かに革新的だったと思う。

でも、使い込むほどに「自分の作品の芯をどこに置くか」という問題が浮き彫りになった。完成されたオーディオを吐き出すタイプのAIは、便利であると同時に、以下のような違和感を生みやすいと感じた。

• 自分が本当にやった仕事はどこなのかが曖昧になる

• Suno側のルール変更や検出システム次第で、将来の扱いがどう転ぶかわからない

• 作品の“根っこ”にAIオーディオがある状態が、どうしても自分の美学と噛み合わない

結局、自分にとってのビートメイクの快感は、「1ノートずつ自分で並べて、グルーヴを作ること」にある。そこがAIオーディオで埋まってしまうと、「これは自分の曲だ」と言い切るための根拠が薄くなる。だから自然と、Sunoからは距離を置くようになった。

ただ、SunoはMIDI出力やステム書き出しにも対応してきていて、「AIでラフを作って、自分のDAWでMIDIを編集する」という理想的な使い方が見え始めていた。そういう意味では、本来なら「これからが本番」のツールでもあった。

それでも自分がSunoから距離を置こうとしている一番の理由は、WMG（Warner Music Group）とのディールによって「ライセンスモデルAI」の方向に舵が切られたことだ。

大手レーベルとの提携によって、モデルの中身が特定のカタログや権利構造に強く結びつき、利用側もそのライセンスとルールの枠内で活動することになる。表向きはアーティスト保護や正規ライセンスの話だとしても、自分にとっては「作品の芯が、メジャー資本のライセンスモデルの上に乗ってしまう」感覚がどうしても拭えなかった。

自分は「完成されたAIオーディオをそのまま作品の核に置く」のではなく、「自分の打ち込んだMIDIと、自分の耳で選んだサウンドデザイン」を核に置きたい。

そして、その核はできるだけニュートラルな土台の上に置いておきたい。Sunoから離れる決断は、そのための選択でもある。

これは単なるツール選好ではなく、「作品の芯をどこに置くか」「どんな経済・ライセンス構造の上でビートを作りたいか」という倫理・美学の選択に近い。ポストAI時代のビートメイカーとして、自分はこういう線引きをしている、という話だ。

AIを完全に拒否するつもりはないし、うまく使えば制作スピードも発想の幅も広がる。ただし、自分は「AIオーディオを作品の核に置かない」「最終的なMIDIとグルーヴは自分で握る」というルールを決めた。

• AIはアイデアまで。

• MIDIとグルーヴと質感は、自分の手で作る。

• サンプルの出自とウォーターマークのリスクを意識しつつ、できるだけ自前の演奏情報と音作りで勝負する。

この線引きのおかげで、「AIを使う／使わない」に悩みすぎず、「自分の作品の芯」を見失わずにいられる。ポストAI時代のビートメイクをどう生きるかを考えたとき、自分はこういう答えにたどり着いた。