Genx Notes

Causticの作者が、突然Redditに帰ってきた。もう二度と更新されない「伝説のスマホDAW」のはずだったその背後から、開発者本人が出てきて、静かに事情を語り始めた。伝説のアプリの作者が、ひょっこり現れた日2025年9月、「Caustic Dev AMA」というスレッドがr/Caustic3に立った。新しいアカウントから「Rej here.」と始まるその投稿は、長らく音信不通だったCausticの作者による、突然の"生存報告"だった。 もう更新は止まった。 Playストアからもアプリは消えた。 公式サイトも消え、フォーラムも閉鎖された。 だからこそ、「本物の作者が、コミュニティの前に帰ってきた」という出来事は、多くのユーザーを驚かせた。そしてスレッドの中でRejは、Causticが止まった理由、Google Playから撤退した経緯、オープンソースにしない理由、そして「完全には諦めていない」という揺れまで、かなり率直に語っている。なぜCausticは3.2で止まったのかRejはまず、「3.2以降もまったく何もしていないわけではない」と認める。3.2のあとも、次のバージョンに向...

ビートメイカーとして活動していると、「売れるためにはジャンルを絞るべき？」なんて悩むこと、あると思う。 「トラップ一本でいくべきか」「ローファイ専門になるべきか」…みたいな。 でも、長く楽しく続けるために本当に大事なのは、ジャンルよりも「あなたっぽい音」なのだ。 今回は、ジャンルという「枠」よりも、自分の「スタイル（好き）」を大事にする考え方について書いてみる。「この人の音だ！」ってわかるのが一番強いアーティストやリスナーが本当に求めているのは、細かいジャンル分けじゃなくて「その人が作る音の世界観」だったりする。 例えば「トラップを作る人」と名乗るより、「ダークでベースが太くて、リバーブが深いビートを作る人」のほうが、「あ、その雰囲気が欲しい！」ってならない？ その「自分のスタイル」さえあれば、トラップでもR&Bでも、どんなジャンルを作っても「あなたの音」になるわけだから。雰囲気＝「質感」のこだわり「雰囲気」というとフワッとしているけれど、実はこれ、かなり具体的な機材やプラグインの使い方の話でもある。毎回お気に入りのバスコンプを通すテープシミュレーターでザラつかせるEQでハイを少...

素晴らしい音楽に出会ったとき、私たちは単に「音が良いから」という理由だけで心を動かされるわけではない。そこには、その音が鳴らされるまでの背景や、作り手の体温のようなものが必ず乗っている。 音楽作品には、作り手がどんな人間かという「スタイル」が、インクが紙に染み込むように、どうしても滲み出てしまうものだ。今日は、ファンとの関係を「消費」から「信頼」へと変える、人間性について書いてみたいと思う。技術や流行を超えて伝わるもの私たちはつい、音楽を作るときに「技術的な上手さ」や「今の流行り」を気にしてしまいがちだ。もちろん、クオリティを高める努力は尊いものだ。でも、聴き手が最終的にファンになり、長く応援したいと思う決め手は、そこではない。 ファンが見ているのは、もっと奥にあるものだ。「この人はどう生きているか」「何を大事にしているか」「どんな痛みを乗り越えてきたか」こうした「生き様」や「価値観」が楽曲の端々から見えたとき、その音楽は単なるエンターテインメントを超え、聴く人の人生に寄り添うものに変わる。「自分のために」が最強の信頼になる「ファンを喜ばせなきゃ」「誰かのために作らなきゃ」と気負...

AI時代のビートメイクについて、少し前の自分はかなりカッコいいことを書いた。「AIはアイデアまで。MIDIとグルーヴと質感は自分の手で作る」「AIオーディオは作品の核に置かない」。ポストAI時代にどこへ軸足を置くか、自分なりの"倫理と美学"を宣言したつもりだった。 今読み返してみると、あの記事はよく書けている。理屈も筋が通っているし、「作品の芯をどこに置くか」という問いも、自分にとって本気のテーマだ。問題は、そのあと普通にそのルールを破りながら、AI曲を作り、別名義で楽しんでいる自分がいることだ。自分で決めた"かっこいいルール"あの記事の中で、自分はこう書いた。AIはアイデア担当。最終的なMIDIとグルーヴは自分で握る。AIオーディオは作品の核にしない。将来のウォーターマークやフィンガープリントのリスクもあるし、「この音の根っこは誰のものか？」と問われたときに気持ちよく答えられないから。サンプルの出自とライセンス構造を意識しつつ、できるだけ自前の演奏情報と音作りで勝負する。要するに、「AIは壁打ち相手としては使うけど、ピッチャーもキャッチャーも最後は自分でやる」という宣言だった。...

YouTubeを「クリエイター経済」として捉えたときに、静かに末期っぽい空気が漂い始めている。ここで言う「崩壊」はサービス終了ではなく、「YouTubeで食べていく」というモデルだけが先に死んでいく、という意味だ。「YouTube崩壊」をどう定義するか多くの人が「YouTube崩壊」と聞いてイメージするのは、サービス終了やユーザー数激減といった、わかりやすい終わり方だと思う。だが現実的なのはそれとは別のタイプの崩壊で、YouTube自体は巨大インフラとして残り続ける一方、「YouTubeで食べて暮らす」という人生設計だけが持たなくなっていく、というパターンだ。 この視点に立つと、「クリエイター経済としてのYouTubeは崩壊に向かっている」という感覚は、かなり的を射ているように見える。崩壊するのはプラットフォームそのものではなく、「そこに人生を預けられる」という前提のほうだからだ。中間層クリエイターが消えていく今のYouTubeで一番厳しいのは、おそらく「中間層」と呼べるクリエイターたちだ。トップ数％はブランド案件や外部ビジネスで生き残り、趣味レベルの層はそもそも生活を賭けていな...

Spliceは世界中のプロデューサーが使えるロイヤリティフリーのサンプルマーケットとして、いまや定番インフラになっている。サブスクさえ払えば、高品質なループやワンショットを無制限にダウンロードできて、権利も追加ロイヤリティなしでクリアという意味では、確かに「神サービス」の側面がある。 一方で、同じサンプルを誰でも使える「非独占ライセンス」であるがゆえに、サウンド面での差別化が非常に難しくなるという根本的な問題も抱えている。 ループをメイン素材として使えば使うほど、「その曲の核」と「みんなが自由に使える共通素材」が限りなく近づいてしまい、オリジナルとしての説得力がどんどん薄れていく。「非独占サンプル」が抱える2つの大きなリスク1. サウンドの被りリスクSpliceのサンプルはすべて非独占で、同じ素材を複数のアーティストが別々の曲で使うことが前提になっている。これは法的には問題ないが、サウンド面では明確なリスクだ。有名なループやボーカルは、メジャー曲でもそのまま使われるケースがある。その結果、インディーのトラックとメジャー曲が「同じループ」を共有してしまい、後発の側が"二番煎じ"に見...

音楽制作の自由度が上がった今、誰でもワンクリックでサンプリング素材を手に入れ、トラックを組み上げることができる。でも、その便利さの裏には見落とされがちなリスクが潜んでいる。それが「著作権」と「AI検知」の問題だ。サンプリングの著作権リスクサンプリングには、依然として著作権の壁がある。たとえ短いフレーズでも、原曲の権利者が存在する場合は無断使用と判断されることがある。特に商用リリースでは、クレームや配信停止といったトラブルにつながることも珍しくない。 著作権フリー素材を使えば安全に思えるが、実際には同じ音源を使っているプロデューサーやビートメイカーが世界中にたくさんいます。その結果、「どこかで聴いたことある音」になってしまい、自分の個性が埋もれてしまうことも。AI音源サンプリングの落とし穴近年では、AIによる音源生成も普及している。高品質なドラム、ギター、ボーカルラインまで、簡単に作れる時代になった。しかしここにもリスクが。AI音源の中には、生成元のモデルやサービス側で「フィンガープリント」が埋め込まれているものがあり、YouTubeやSpotifyの自動判定で「AI生成コンテンツ...

この数日、FarcasterとBlueskyを触りながら、なんとも言えない「がっかり感」に包まれている。分散型SNSにずっと期待してきたからこそ、その変化が余計によく見えてしまう。 Farcasterは、「毎日10億人が使う分散型ソーシャルネットワーク・プロトコル」を目標に掲げてスタートした。大きな理想だと思いつつ、「もしかしたら新しいソーシャルの形が見られるかもしれない」と、音楽クリエイターの一人としてワクワクしていた。 ところが2025年12月、創業者のdwrは「ソーシャルファースト戦略はうまくいかなかった」とはっきり認め、ウォレット中心のプロダクトに舵を切ると宣言した。これからは「良いウォレットを作り、そのウォレットのユーザーがプロトコルのユーザーになる」という成長戦略でいく、と。 発表としては筋が通っているし、プロダクトの数字だけ見れば合理的なのかもしれない。でも、ユーザーとしての正直な気持ちは「結局そこに行くのか…」という肩透かしに近い。 分散型ソーシャルに期待していたのは、「オンチェーンでギャンブルするためのUI」ではなく、「表現や対話がプラットフォームに完全には握ら...

AIが音楽を作る時代になった。ほんの数秒でビートを作ったり、声を合成したり、ジャンルまで変えられる。便利だし、遊びとして触っていても面白い。でも一方で、「これからミュージシャンは食べていけるの？」という不安も絶対にあるよね。生計を立てるのは、確かに難しくなるんじゃない？正直に言えば、AIの進化によって「仕事としての音楽」はますます厳しくなると思う。AIが無料で音を作れるなら、人間が作った楽曲の価値は下がっていく。ストリーミングの単価は既に安いし、これからは、より"速さ"や"効率"が重視されるかもしれない。 そんな時代に、ゆっくり音を作る人は「経済的」には不利でしょ。でも、それでも作る人は作る。それが音楽ってものだから。音楽をやる理由はそもそもお金じゃない昔から音楽を続けている人って「やめられないからやっている」人が多いと思う。睡眠や仕事の合間に曲を作って、誰にも聞かれなくても満足できちゃう。そういう人はどんなにAIが台頭してこようと、結局作り続けることには変わらない。AIはライバルというより、むしろ「助手」のようなもの。アイデアをくれたり、刺激をくれたり、ね。 音楽家の中にも「A...

生成AIが当たり前になった今、音楽制作の現場における「依頼内容」が根底から変わり始めている。ラッパーやシンガーがSunoなどでビートを自作し、プロデューサーへ相談に来る内容が、「ゼロからの制作」ではなく、「AI曲の再現・仕上げ」「AIビートのミックス＆マスタリング」へとシフトしているのだ。 技術の進化で制作の敷居が劇的に下がり、誰でも好きな音でデモを作れるようになった一方、プロに頼むべき領域や価格の妥当性など、新たな課題も噴出している。現場で起きている3つの変化から、AI時代ならではの「人間とAIの役割分担」を掘り下げてみる。 1. AI生成ビートの「完全再現／ステム化」依頼 AIで作られたデモ音源（MP3やWAVの2mix）を持ち込み、「これを本格的な音質で仕上げてほしい」というリクエストが増えていると聞く。しかし、AI生成曲はパラデータ（楽器ごとの音源）やMIDIが存在しないことが大半だ。プロが仕上げるには、耳コピでコードやフレーズを解析し、ドラムや楽器を打ち込み直し、アレンジを再構築するという、実は「ゼロから作るより手間がかかる作業」が必要になる。「AIでサクッと作れたから...